Megadeth

Cuando se habla de Megadeth de inmediato se viene a la memoria la imagen de Dave Mustaine y su cinturón de balas en el video de "Holy Wars... The Punishment Due", la canción que da la partida a este disco espectacular que consolidó, definitivamente, la grandeza que la banda insinuó en el anterior "Peace Sell... But Who's Buying".

"Rust In Peace" es majestuoso, las guitarras son el elemento principal de un sonido potente, bien elaborado y convincente que encontraba en Marty Friedman al guitarrista líder ideal. Porque si bien Megadeth es, y siempre ha sido, la banda de Dave Mustaine, el hombre ha tenido el mérito de encontrar músicos que sean capaces de desarrollar sus ideas. Ahora con Friedman, el baterista Nick Menza y el siempre dispuesto bajista Dave Ellefson, la banda estaba completa con su mejor alineación y listos para entregar el disco más trascendente de su historia.

Como les contaba el disco arranca con "Holy Wars", una denuncia pública que hoy en día se hace más latente que nunca por los problemas en el Medio Oriente. Ya en esa época Mustaine le enrostraba al mundo que esos pueblos se estaban matando por religión o por un pedazo de tierra. O sea, Megadeth no era sólo música, también habían ideas, denuncias y un discurso que intentaba develar los misterios que han rodeado las intervenciones norteamericanas alrededor del mundo. En lo musical, esta canción debe ser una de las más importantes y reconocibles en la carrera de la banda, con una velocidad inusitada que reflejaba el speed thrash que los convirtió en uno de los 'cuatro jinetes' (Metallica, Slayer, Anthrax y Megadeth) del movimiento de la Bay Area. Analicen cada estructura, cada melodía, cada solo, cada detalle, cada quiebre... Megadeth realmente hizo una obra maestra.

Después de esos...minutos de presentación, el disco sigue golpeando fuerte con "Hangar 18", otro polémico secreto que oculta el gobierno de Estados Unidos, el caso de los extraterrestres capturados en el Área 51 en Nuevo México. "Possibly I've Seen Too Much/ Hangar 18 I Know Too Much..." decía la amenaza de Mustaine, una amenaza que retrataba la actualidad de la banda y la preocupación por el ambiente que los rodeaba. Esta es otra de las canciones "emblema" de la banda, enérgica y dinámica, con guitarras poderosas que se llenan con los juegos de Friedman y con la voz apretada de Mustaine que se consolidaba como la característica del grupo.

"Take No Prisoners" era una de las más polémicas del disco por el hecho de tener en su coro la palabra 'sh*t', eso generaba más controversia que la idea general que iba en contra de las guerras y el silencio que encierran. Esta canción tiene una estrofa con una de las ideas más memorables de Mustaine: "Don't ask what you can do for your country / Ask what your country can do for you" (No preguntes que puedes hacer por tu patria / pregunta que puede hacer tu patria por ti); la versión opuesta a la declaración del presidente J.F. Kennedy para alentar el patriotismo nacional. Eso era Megadeth en el '90, anarquía y rebelión, el cuestionamiento de todos los poderes fácticos a través del mejor metal del mundo.

Ya con esas tres canciones podemos estar absolutamente pagados, tres clásicos impresionantes que marcaron a una generación y que iniciaron el cuestionamiento de los años posteriores: ¿Metallica o Megadeth? Sin embargo, el disco sigue y las canciones se suceden. Tal vez lo que viene no haya trascendido tanto como las anteriores (las letras, por ejemplo, se ponen mucho más fantásticas), pero de todas maneras vale la pena recordar. "Five Magics", "Poison Was The Cure" y la risa hechicera de "Lucrecia" son el condimento de la idea general, con potencia, calidad y la distinción de los riffs de la guitarra. Todas ellas son distintas pero tienen el hilo conductor del virtuosismo, demostrado en cada detalle y sobre todo en los solos, porque hay que aclarar algo, Megadeth aparte de todo es una banda para guitarristas.

"Tornado Of Souls", "Down Patrol" y "Rust In Peace… Polaris" continúan el legado desde el arranque. La primera es notable por la búsqueda de los quiebres rítmicos y la aceleración de las cuerdas; la segunda destaca por la preponderancia del bajo y por la oscuridad de la advertencia final; mientras que la última, la que cierra el disco es otra majestuosa muestra de la pomposidad metalera que consiguieron en este disco: Nick Menza es un cañón detrás de los tambores; Friedman confirma porque es considerado como uno de los guitarristas más virtuosos y rápidos del metal; Elleffon mantiene su nivel parejo y de bajo perfil; y Mustaine desarrolla todo su ego de genio.

El cierre impecable para un disco histórico, el paso hasta la cumbre de una banda con un comienzo tambaleante que se consolidó de una manera diferente, oponiéndose y criticando, pero siempre con la música por delante, no se fueron en puros discursos y se preocuparon de crear la mejor música que podían... y lo consiguieron. Personalmente, sigo prefiriendo a Metallica, pero Megadeth tiene eso que Metallica perdió en los '90 con el polémico "Black Album", y es por eso se merecen un espacio aquí en Hard Rock File.

Lista de temas
"Holy Wars… the Punishment Due" – 6:32
"Hangar 18" – 5:14
"Take No Prisoners" – 3:26
"Five Magics" – 5:40
"Poison Was the Cure" – 2:56
"Lucretia" – 3:56
"Tornado of Souls" – 5:19
"Dawn Patrol" – 1:51
"Rust in Peace… Polaris" – 5:44

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Nickelback

Para ser su tercer álbum es difícil todavía encontrar una característica especial que defina a este grupo canadiense. Ya en su anterior disco "The State" se notaba que la banda de Chad Kroeger (voz) estaba en busca de esa característica especial que los desligara de sus referentes más inmediatos: Stone Temple Pilots, algo de Nirvana, Creed, entre otros 'grungeros' melódicos, pero al parecer ha sido una misión casi insalvable. Sin embargo no por eso los vamos a despreciar ya que a diferencia de muchos otros clones del post grunge, lo de ellos va más por el lado de las guitarras fuertes y arrastradas que por el de la melodía casi llorona de lo emotiva.

"Silver Side Up" es un disco potente, cargado de buenos temas y con la voz especial de Kroeger y las guitarras de Ryan Peake llevando la batuta. Ya en el primer tema, "Never Again", se nota que hay otra disposición, más dinámica, con mucho groove y recordable. Se podría decir que es más hard rock, con un bajo marcando la pauta y con momentos de explosión completa muy atractivos. Gran comienzo. Para seguir aparece "How You Remind Me", una vuelta al clásico post grunge onda Creed, muy bien hecho pero con la fórmula conocida: estrofa cadente y depresiva que explota con una guitarra subterránea en el coro. "Woke Up This Morming" es más rápida y directa pero con ese gustito grungero antiguo, nada nuevo ni muy interesante. "Too Bad" se insinúa en un principio como muy 'down' pero sube decibeles y revoluciones en el coro, bastante atractiva pero no tan original.

Bueno, y el disco sigue en la misma línea, no hay mucho más que comentar. Post grunge, algo de hard rock, un buen vocalista, entretenidos temas... un buen retorno de Nickelback que ve como las viejas tendencias comienzan subterráneamente a invadir los mercados saturados de tanta modernidad y 'saltarismo'.

Lista de temas
"Never Again" – 4:20
"How You Remind Me" – 3:43
"Woke Up This Morning" – 3:50
"Too Bad" – 3:52
"Just For" – 4:03
"Hollywood" – 3:04
"Money Bought" – 3:24
"Where Do I Hide" – 3:38
"Hangnail" – 3:54
"Good Times Gone" – 5:18

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The Goo Goo Dolls

Después de revolucionar los mercados de pop/rock en la década de los '90, la banda de Johnny Rzeznik celebró sus 16 años de historia con la edición de su séptimo álbum de estudio, con el que pretenden revitalizar su agotadora carrera que los vio llegar a la cima con los discos "A Boy Named Goo" de 1995 y "Drizzy Up The Girl" de 1998.

El estilo de The Goo Goo Dolls es único y reconocible, comparable tal vez al de sus contemporáneos Collective Soul y Soul Asylum, pero manteniendo la autonomía que los ha llevado a ser favoritos de las radios del adult rock. En "Ego, Opinion, Art & Commerce" mantienen ese toque especial, técnico, melódico y emotivo que ha traspasado el paso del tiempo, instalándose como música para adultos pero con melodías que pueden ser recordables para cualquier oyente. La soltura de las guitarras, la envolvente voz de Rzeznik y la vitalidad de sus melodías nos muestran que la banda todavía tiene mucho para aportar.Desde el arranque de 'Bulletproof' se nota que hay una especie de vuelta a la raíces un poco más rockeras, muy en la onda de otros post-grunge como Semisonic, Fuel o 3 Doors Down, pero manteniendo esos esquemas claritos que imponen a cada interpretación.

De las 22 canciones que conforman este disco no hay ninguna que pierda fuerza, y hay muchas que pueden llegar a ser verdaderos singles, como la envolvente 'All Eyes On Me', la acelerada 'Burnin'Up' y la encantadora 'Acosutic #3' tres de las muestras del bagaje musical que han desarrollado en estos 16 años y que ahora los tiene un poco con el perfil más bajo. Por ser tan parejo, cuesta encontrar canciones que realmente destaquen, por lo que el futuro de Goo Goo Dolls tal vez no será tan sorpredente como cuando compusieron la canción 'Iris' para la banda sonora de City Of Angels, pero sin duda que tienen las ganas y las agallas para seguir peleando en un mercado donde cada día proliferan nuevas bandas.

Para los amantes de los Dolls, "Ego, Opinion, Art & Commerce" será un nuevo calmante -de 22 temas- que los tendrá contentos por un par de años. Y si bien parece que la banda todavía no tiene ganas de re-inventarse en otro estilo (siguen revisando sus inicios punk melódicos y acomodándolos con el power pop que les ha dado mejores resultados), aún quedan fuerzas para convencer, sobre todo al público que prefiere bajar un poco los decibeles y combinar algunas canciones melódicamente rápidas con sus momentos de baladas para reposar. Un buen regreso, nada nuevo, pero aporta.

Lista de temas

1. "Bullet Proof" (Johnny Rzeznik, 1998)
2. "All Eyes On Me" (Johnny Rzeznik, 1998)
3. "Amigone" (Robby Takac, 1998)
4. "Acoustic #3" (Johnny Rzeznik, 1998)
5. "Naked" (Johnny Rzeznik, 1995)
6. "Ain't That Unusual" (Johnny Rzeznik, 1995)
7. "Burnin' Up" (Goo Goo Dolls, 1995)
8. "Flat Top" (Johnny Rzeznik, 1995)
9. "Eyes Wide Open" (Johnny Rzeznik, 1995)
10. "Fallin' Down" (Johnny Rzeznik, 1993)
11. "Another Second Time Around" (Goo Goo Dolls, 1993)
12. "Cuz You're Gone" (Johnny Rzeznik, 1993)
13. "We Are the Normal" (Johnny Rzeznik, 1993)
14. "Girl Right Next To Me" (Johnny Rzeznik, 1993)
15. "Lucky Star" (Goo Goo Dolls, 1993)
16. "On the Lie" (Johnny Rzeznik, 1993)
17. "Just the Way You Are" (Goo Goo Dolls, 1990)
18. "Two Days in February" (Goo Goo Dolls, 1990)
19. "Laughing" (Goo Goo Dolls, 1990)
20. "There You Are" (Goo Goo Dolls, 1990)
21. "Up Yours" (Goo Goo Dolls, 1989)
22. "I'm Addicted" (Goo Goo Dolls, 1987)

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No Doubt

Ante el anuncio de que Gwen Stefani regresa al grupo para sacar nuevo disco de estudio, y aunque No Doubt está más encasillado en el Mainstream que en el Rock per se, dejamos con ustedes uno de los Discos hito en la historia de este grupo estadounidense "Tragic Kingdom" y que contiene la canción que los lanzó al estrellato.

Si bien el disco contiene temas como "Just a Girl" y "Sunday Morning", que son muy buenos e himnos de los fanáticos de la banda, estos nunca alcanzaron el nivel de popularidad de "Don't Speak", y la mayoría de sus fans partieron escuchando a Gwen y compañía sólo por esta canción.

La ruptura de la relación sentimental que mantenían Gwen Stefani y el bajista Tony Kanal fue el germen para que la blonda cantante compusiera "Don't Speak", tema incluido en el disco Tragic Kingdom (1996). "Siento que estoy perdiendo a mi mejor amigo, y no puedo creer que este sea el final", dice Gwen, en estado de desesperación, y resulta más verosímil que nunca.

Lista de temas:
"Spiderwebs" – 4:28
"Excuse Me Mr." – 3:04
"Just a Girl" – 3:29
"Happy Now?" – 3:43
"Different People" – 4:34
"Hey You" – 3:34
"The Climb" – 6:37
"Sixteen" – 3:21
"Sunday Morning" – 4:33
"Don't Speak" – 4:23
"You Can Do It" – 4:13
"World Go 'Round" – 4:09
"End It on This" – 3:45
"Tragic Kingdom" – 5:31

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Creed

Creed pasó a la historia como una banda cuasi religiosa, comercial y en la cual su vocalista, Scott Stapp, emulaba a Eddie Vedder de Pearl Jam, sin embargo, alcanzaron gran fama y reconocimiento. En su tercera entrega, Scott Stapp y compañía, buscaban hacer cambiar de idea a todos los que habían venido criticándolos desde los tiempos de "My Own Prison", su primera placa. Y nuevamente con la producción de John Kurzweg (Puddle Of Mudd, American Pearl), esperaban lograrlo.

Desde el arranque con "Bullets", una canción que no se asemeja en nada a sus composiciones anteriores, ya demostraban una evolución favorable, con unos riffs que podrían ser la envidia de cualquiera de las bandas de Nü metal de entonces y un Scott Stapp irreconocible en su performance vocal.

"Freedom Fighter", el segundo corte, es una canción que tiene el sonido característico de la banda, pero a la vez muy de acuerdo con la fuerza (y furia) que comienza a delinear este disco. "Who's Got My Back?", en cambio, son 8 minutos de fusiones de rock con sonidos y cánticos hindúes... con un carácter bien épico.

El cuarto track es "Signs", que tiene mucha potencia en guitarras y baterías; otro corte donde Stapp dio aviso que se estaba alejando del estigma "Vedder" de discos anteriores. Luego seguimos con "One Last Breath", que es una de las tres baladas del disco, con un sonido muy clásico de Creed y algunos toques de hard rock.

"My Sacrifice", es el típico tema que distingue al grupo; con un aire de positivismo, un coro muy ganchero, riffs poderosos y cadencias muy épicas que sirven para imponer a la canción. Por algo fue elegido como el primer sencillo de esta placa.

"Stand Here With Me" tiene mucho de "Higher", lo cual disminuyó el ritmo y novedad que iba alcanzando el álbum en su desarrollo. En "Weathered", tema que le da el título a la producción, se puede notar una vibra muy de rock sureño y texano, con tiempos más lentos que explotan con fuerza en los coros. Destacable.

Al llegar a "Hide", podemos apreciar que sigue mucho la tendencia melódica de "Weathered". También es un claro ejemplo de que gran parte de las composiciones se basan en el aporte del guitarrista Mark Tremonti, ya que este instrumento era la base para el trabajo vocal de Stapp.
"Don't Stop Dancing", es la lógica continuación de "With Arms Wide Open" (tema que los hizo merecedores de un Grammy), no por su letra, sino por las estructuras y su composición. Cabe destacar que ésta es una de las dos canciones de la placa que cuenta con un solo de guitarra y que más que proyectar virtuosismo, sirve para acompañar en gran forma a las melodías. Además, está en los coros la hermana de Stapp, Aimee, que no desentona y que tiene una reminiscencia de Natasha Schneider de Eleven en su tono.

Para cerrar el disco está "Lullaby", un corte que presenta solamente voz y guitarra eléctrica, donde Stapp prácticamente da gracias a la grandeza del amor. Algo muycontrastante con la furia y la fuerza de todas las canciones anteriormente reseñadas.

Punto aparte es la fotografía y la diagramación del álbum. No es recomendable dejarse llevar por su portada, pues ya en interiores se pueden ver como los colores combinan con la fotografía, muy de carácter apocalíptico y acorde con esos tiempos de incertidumbre. En general, "Weathered" es un álbum más fácil de digerir que los anteriores, y fue un buen disco para cerrar un ciclo con un sonido más propio. Musicalmente es variado y con un mayor trabajo en las canciones donde los tracks más fuertes son lo mejor del disco. Sin embargo, creo que Creed podría habernos entregado algo más, algo más consistente musicalmente hablando. Lamentablemente no lo hicieron en su momento, y ya sólo nos queda el recuerdo de lo que fueron.

Lista de Temas
"Bullets" – 3:49
"Freedom Fighter" – 2:36
"Who's Got My Back?" – 8:25
"Signs" – 4:29
"One Last Breath" – 3:58
"My Sacrifice" – 4:54
"Stand Here With Me" – 4:17
"Weathered" – 5:30
"Hide" – 4:27
"Don't Stop Dancing" – 4:33
"Lullaby" – 3:04

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AC/DC

"Back in Black" es -y será- una sacudida para despertar a los muertos, incluyendo al propio Bon Scott, cuando la banda más que en ningún período exhibió Alto Voltaje y una potencia comercialmente viable en los EEUU, jamás soñada por los mismos hermanos Young, Malcolm y el incansable Angus. El álbum de 1980 introdujo a nuestra familia la raspada y aguardentosa voz de Brian Johnson y también su nobleza de hombre del rock, un tipo adorable y sencillo, quien en aquel mes de mayo de 1980 veía un sueño hecho realidad y ciertamente hizo lo imposible para ponerse a la altura de los otros cuatro, la base rítmica triple de Malcolm Young en guitarras, Cliff Williams en el bajo y Phil Rudd en la batería. Cuando escuchas temas como "Shoot to Thrill", "Given the Dog a Bone" y "Back in Black", bendices el día en que empezaste a engancharte con el rock.

Esta placa de 10 canciones resume todo lo que el hard rock con potencia de heavy metal quisiese decir o transmitir; prácticamente son sólo clásicos que exhiben los riffs más básicos y contundentes, aunque un ajustado contrapunto entre guitarras -eso sí, antes de que Angus se escape en los solos: que llegan a sonar tan magistrales como los del "Highway To Hell" y los del "Powerage". Sin duda "Back in Black" llegó a definir mucho más que un disco, redefinió a la banda y también el concepto de Monsters Of Rock, tal y como un festival europeo masivo llamado Donnington. Ciertamente es un disco puro pero con retoques dados por la impecable y cuidadosa producción de Mutt Lange, a mediados de 1980, 5 meses después de lo de la muerte de Bon Scott aparecía esta magistral obra. Pocas veces te encuentras con una colección de canciones en que las pausas entre tracks son sólo un descanso de segundos para asumir la siguiente paliza sónica.

¿Cómo decirlo? ¡Es que tienen que escucharlo! "You Shook Me All Night Long", siendo el track más comercial del disco, te sacude entero y te dan ganas de ir rápido a la cama, acompañado. Si bien es cierto que estos australianos/scottish no leen Shakespeare ni tampoco hablan de temas muy serios, te quieren meter el dedo en la llaga de tus instintos sexuales más primarios y lo hacen con un mal gusto "que da gusto" -este crédito hay que dárselo a Brian quien fue el responsable de las letras del álbum y lo ha seguido siendo durante 22 años. Háblenme de "Fuck You like an Animal" de Nine Inch Nails o "ADIDAS" de Korn y les diré que este disco repite esa idea vital y brutal 69 veces mientras dura. Y es cierto, "Back in Black" no es original para AC/DC, es la misma sopa que te servían antes y después. Los mismos power chords, la misma base que emula a un tanque en perfecto control, pero a diferencia de la era Bon Scott suena tan fuerte que llena un estadio y se asemeja a aquella era-80's en que Quiet Riot abrió la puerta para decirte: "Ven y Siente el Sonido". Tal y como Chuck Berry acuñó "Good Golly Miss Molly", AC/DC reinventó el rock & roll forjado en acero y de ahí en adelante las imitaciones han sido incontables, muchas de ellas buenas -pocas al nivel de AC/DC's Back in Black. De plano influenciaron con esta placa a cuanta banda hard rock pudiera existir e hicieron un guiño no al "Highway to Hell" sino al "High Voltaje" de 1974.

Sabemos del lema "For Those About To Rock" pero nos cuesta aceptar que este disco es For Those About To Dance...y a esos los saludamos. A AC/DC lo queremos tanto como al eterno colegial Angus y a su hermano-cómplice, un genio que para los aficionados es valorado su peso en oro, Malcolm es más importante en la banda que lo que muchos imaginarían. A contar de 1973 los únicos dos que sobreviven en la banda son los hermanos Young, aunque a partir de "Back in Black" no han habido cambios dignos de mencionarse, sólo reemplazos temporales. El dicho reza con asertividad: "Si no está roto, para que arreglarlo". Bon Scott le pasó a su amigo (lo eran en realidad) la antorcha y Brian Johnson le agregó una boina que lo hace lucir como un camionero. Uno de esos que un par de veces a la semana va a un club de strippers y se debe sorprender de escuchar su música también ahí. El que no ha escuchado al menos 5 canciones de este álbum de 1980 es porque simplemente ha vivido en una caverna en los faldeos del Himalaya.

La pura trilogía de "What Do You Do For Money Money", "Have a Drink On me" y "Let Me Put My Love into you Baby" ha dejado a Bon Scott tranquilo y orgulloso... dos metros bajo tierra. Sin duda, "Back in Black" casi como el tributo de las campanas que redoblan en su inicio para Hells Bells es el disco más poderoso y clásico del quinteto y por eso esta aquí, en Hard Rock File, brillando. Para todo el mundo lo más aprovechable del heavy metal es la aparición de álbumes paradigmáticos como éste, digno representante del género y respetado por prácticamente TODAS las bandas y personas que pueda conocer. Ellos como carrera lineal han llegado a todas y emergieron con una actitud punk, que se aprende de tanto tocar en bares de mala muerte, desbancando a los mismos Sex Pistols, porque ¿no es obvio que AC/DC tiene más pistolas sexuales que estos otros británicos?

En rigor los AC/DC son de Escocia pero relocalizados en las antípodas australianas y de seguro ahí aprendieron a golpes... no es fácil salir de Australia y hacerla en todo el mundo, menos lo era en la década del '70. Llegado 1980 y "Back in Black", AC/DC se tomó el mundo por asalto y entre otras gracias dignas de aplaudirse acuñó un himno (que no entiendo porque no es tan popular) "Rock&Roll Ain't Noise Pollution", la que cierra el disco. Un álbum de impecable negro, una antojadiza contraparte al "White Album" de The Beatles.

Angus y Malcolm Young se enajenan y vuelven loco al más "normal" de nosotros, ya que con tres acordes insistentes demuestran que el rock -desde los Stones- siempre ha tenido actitud media delincuente, una cualidad eternamente juvenil y que sin complacencias ni contemplaciones de tan duro todo el tiempo. "Back in Black" apoyado de otros temas como "Shake a Leg" o "Have a Drink On Me" se emplean a fondo para conjugar la perfecta comunión entre el Rock & Roll y el sonido más duro, todo eso realzado con la personalidad de artistas crudos que fueron benditos con voces febriles y cuerdas de acero.

En resumen, cada canción de esta maravilla de álbum es rock-blues pesado, sudoroso y desprovisto de arreglitos y barnices que le puedan restar virulencia. Ellos siempre lo llamaron Rock & Roll, ahora lo comprendo perfectamente... y ustedes también, creo. La agitación que produce el escuchar "Back in Black" es cuasi-malévola, pero agrada de principio a fin.

Lista de temas:
"Hells Bells" – 5:12
"Shoot to Thrill" – 5:17
"What Do You Do for Money Honey" – 3:35
"Givin' the Dog a Bone" – 3:32
"Let Me Put My Love into You" – 4:15
"Back in Black" – 4:15
"You Shook Me All Night Long" – 3:30
"Have a Drink on Me" – 3:59
"Shake a Leg" – 4:06
"Rock and Roll Ain't Noise Pollution" – 4:15

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Stone Sour

Las bandas proyecto por lo general no tienen muy buenos resultados a la hora de convencer a las audiencias fieles a la banda original. Slipknot, en este caso, es la banda "madre" y Stone Sour vendría a ser como el hijo bastardo de Corey Taylor (voz) y Jim Root (guitarras), quienes -al igual que Mike Patton en Mr. Bungle- dejaron Stone Sour para unirse al proyecto de Slipknot y abandonar sus primeras ideas. Con el éxito, la fama y la fortuna que han logrado con esa banda era hora para acordarse de sus viejos amigos (los abandonados), el guitarrista Josh Rand y el bajista Sean Economaki, y reformar desde cero la banda que les quitaba el sueño juvenil en Des Moines, Iowa.

Difícil es imaginar cómo habría resultado la música de la banda a fines de los '90, antes de Slipknot, y también qué habría sido de su futuro si Taylor y Root no se hubieran puesto las máscaras y los overoles. Obviamente sería otro cuento -tal vez ni para comentar- pero ahora nos muestran un disco donde la premisa la marcó el vocalista desde el principio: ¡¡¡quiero cantar!!! La melodía y las vocalizaciones de Taylor se agradecen y "Bother", la canción que apareció en la banda sonora de Spider-Man realmente da para pensar que el tipo es bastante más que el grito y el canto gutural.

Sin embargo, el sonido nü metal de Slipknot aflora de igual manera. Las guitarras y la velocidad también están presentes, pero con más onda. En "Get Incide" de pronto aflora esa escuela thrashera de los '80, los riffs movedizos y groovies, con afinación más baja y muy parecidos a los de Coal Chamber. Obviamente combinando la aceleración de las letras con los coros melódicos.

"Orchids" ya es distinta, más nü metal en la vía de Sevendust, donde se demuestra que Taylor es un gran vocalista y que no depende de los gritos para sobresalir. "Cold Reader" sigue la misma línea, incluso casi el mismo 'tempo' y misma fórmula; "Blotter" es más Slipknot, sicótica y desesperada, pero con la marca registrada (no sé de quién a esta altura) de los coros melódicos.

Volviendo al lado Coal Chamber encontramos "Choose", con un interesante comienzo para entrar en la parte de la estrofa onda Godsmack o ese tipo de bandas que buscan estirar las palabras y variar a cada rato la armonía. Le sigue "Monolith", otra especie de himno hipnótico, más pegado y que trata de ser más radial, como que bajan sus revoluciones e incluso se siente que sonara más lenta y despacio. "Inhale" vuelve a la rabia pero demuestra que el disco va perdiendo encanto y las expectativas de llegar al final con algo que sorprenda ya no son muchas. Nuevamente es una canción con mucho aire radial, nü metal que intenta ser cantado y dosificado para conquistar oídos y mercados más amplios. Es una buena canción, pero como que ya es demasiado obvia.

Siguiendo el recorrido aparece "Bother", la canción distinta -con guitarras limpias y arreglos orquestales incluidos- que perfectamente le puede pelar el trono de power ballad a Nickelback. Es una de mis favoritas, una hermosa canción que abre la mente de su compositor (Taylor) y demuestra que es mucho más de lo que ha querido mostrar hasta el momento. Obviamente todo queda ahí y "Blue Study" vuelve a la modernidad, aunque esta es otra que se sale un poco del marco. Es más pura, más hard rock, aunque siempre con el sonido "Korniano" detrás. "Take a Number" también incorpora nuevos elementos, como si se hubieran dado cuenta que la primera parte del álbum se estaba volviendo un poco más repetitiva, y tratan de incorporar ideas más clásicas al esquema del encendido violento de los amplificadores. "Idle Hands" vuelve a ser más sicótica pero también groovie, otra que trata de variar en algo, dentro de lo que se puede, y que tiene sus elementos atractivos.

"Tumult" sigue la línea experimental de la anterior, con guitarras que parecen de Megadeth pero con elementos medio industriales y atmósferas saturadas a la NIN. Definitivamente uno de los más subversivos y peligrosos del disco. Lo mismo que la declaración final de 'Omega', un tema hablado, pausadamente, que necesita buen oído y diccionario en mano.

Stone Sour resultó ser una especie de catalizador de las ideas que en Slipknot no pueden desarrollar. Un vertedero de canciones que van variando según sus estados de ánimo y que a momentos obtiene momentos brillantes. Un buen disco, para analizar y disfrutar, aunque si no hubiese tenido esa parte de nü metal podría haber sido mucho más original.

Lista de Temas:
"Get Inside" – 3:13
"Orchids" – 4:24
"Cold Reader" – 3:41
"Blotter" – 4:02
"Choose" – 4:17
"Monolith" – 3:45
"Inhale" – 4:25
"Bother" – 4:00
"Blue Study" – 4:37
"Take a Number" – 3:42
"Idle Hands" – 3:56
"Tumult" – 4:03
"Omega" – 2:56

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Parte 1: http://rapidshare.com/files/67942058/Stone_Sour-Stone_Sour_Special_Edition-2003-mizu.ws.part1.rar
Parte 2: http://rapidshare.com/files/67972020/Stone_Sour-Stone_Sour_Special_Edition-2003-mizu.ws.part2.rar

Incubus

Desde que lanzaron "Make Yourself" en 1999 la carrera de Incubus encontró el foco que los llevaría a puerto. Alejados de la agresión sin control y gratuita que muchos de sus compañeros prodigaban, ellos prefirieron concentrarse en la melodía y desarrollar música para ellos mismos, atravesada al gusto popular. Tal vez esa sea el mayor mérito de Brandon Boyd y compañía, no tentarse con la novedad para ganar dinero fácil (porque cuando quisieron pudieron ser más comerciales que cualquiera) ni hipotecar su música a un encasillamiento generacional.

"Morning View" era un disco largamente esperado, justamente para comprobar la madurez musical de la banda, y no decepciona por ningún lado. Es tan exquisito en texturas, melodías y sonidos que cada vez que lo escuchas de nuevo vas descubriendo nuevas canciones donde ya antes creíste conocerlo todo. El disco arranca con "Nice To Know You" y es absolutamente rockero, moderno y efectivo. La dinámica que demuestra Incubus en sus canciones más aceleradas no es comparable con otras, porque los tiempos que manejan y la forma de vocalizar de Brandon va construyendo cosas que cambian, scratches que intervienen puntualmente y guitarras que dejan a su paso un montón de detalles ocultos.

"Circles", la número dos, también sigue el camino de la anterior y aunque "Wish You Were Here" tiene esas guitarras melódicas que la hacen aparecer como más cadenciosa, la verdad es que oculta un peso nada de despreciable. Tal vez esta canción pueda reflejar perfectamente la orientación sónica de la banda: melodías envolventes, armonías pasivas, coros muy intensos, la distinción de un scratch muy bien utilizado y un peso subterráneo que cuando lo descubres te deja pidiendo más.

Siguiendo con el desarrollo de "Morning View" nos encontramos las maravillosas "Just A Phase" y "Warning", dos canciones donde demuestran toda su intención de desarrollar armonías que recreen escenas y que perduren en la memoria de los oyentes. Lo mismo se podría decir de "Blood On The Ground", aunque la estructura sea mucho más parecida a canciones del disco "S.C.I.E.N.C.E." –más velocidad, guitarras más pesadas y una vocalización mucho más alta y apurada-. Lo que quiero decir es que, ya sea aplicando potencia en las guitarras o bajando hasta las profundidades de la pasividad, Incubus es un grupo que envuelve, conquista y domina, haciéndote adicto a la forma que tienen para crear.

"Mexico" es tan limpia y emotiva que te dan ganas de escucharla cien veces seguidas, es como si Radiohead los hubiera contagiado y la sensibilidad les hubiera inundado el cerebro todavía más. "11 A.M." y "Echo" siguen el mismo camino y de verdad son canciones que están destinadas a ser parte de tu vida, ya sea por que te sientas identificado con las letras o porque las melodías te recuerdan momentos.

En "Have Your Ever" subimos las revoluciones y queda demostrado que más allá del parecido con Mike Patton, Brandon Boyd es un vocalista de primer nivel. Y lo del parecido a esta altura va por el lado de la técnica, porque ambos cantantes explotan al máximo su capacidad y son un instrumento más dentro de la banda. Siguiendo con "Are You In", se nos presenta una de las canciones experimentales (o distintas) al resto del disco, mucho más groove, más R&B tal vez, pero con una onda que realmente te eriza los pelos y te demuestra la calidad de músicos que forman Incubus.

Para terminar, "Under My Umbrella" es mucho más moderna y acelerada, aunque los susurros iniciales de Boyd te preparen para otra cosa; y "Aqueous Transmission" es la otra pelada de cables, maravillosa como todas las canciones de este disco, pero con el ingrediente especial de recrear música de la antigua China y tener arreglos orquestales espectaculares. El final perfecto para un disco que va a pasar a la historia dentro de la carrera de la banda, un disco que se complementa contigo y te hace vibrar, emocionarte y exaltarte. Todo lo que una gran banda puede producir en tus sentidos.

Lista de temas:
"Nice to Know You" – 4:45
"Circles" – 4:11
"Wish You Were Here" – 3:36
"Just a Phase" – 5:33
"11am" – 4:16
"Blood On The Ground" – 4:36
"Mexico" – 4:22
"Warning" – 4:42
"Echo" – 3:36
"Have You Ever" – 3:16
"Are You In?" – 4:26
"Under My Umbrella" – 3:33
"Aqueous Transmission" – 7:46

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Echobrain

Echobrain puede sonarte familiar por su relación con el ex bajista de Metallica Jason Newsted. Y ese sólo paralelo podría instar a que el sonido fuera metálico, poderoso e incluso destructivo. Sin embargo, no puedes estar más lejos de la realidad, porque lo que menos tiene Echobrain en este disco es metal y guitarras electrificantes.

Al principio se hace raro el estilo y solo a la quinta pasada comienzas a tomarle el gusto al asunto. Tal como otras bandas nuevas que están experimentando con sonidos más crudos y menos clichés, lo de Echobrain te pide un tiempo de maduración y reconocimiento. Son territorios vírgenes que invitan a la construcción, cargando melodías en riffs acústicos, con arreglos orquestales y melodías sugerentes.

Por ahí surge la raíz vital: The Beatles, y de a poco te vas acercando a sonidos un poco más familiares, como algo en las guitarras a lo Smashing Pumpkins, algo en la distensión de Eleven, algo en las melodías a lo Weezer, mucho de blues clásico y semillas de hard rock moderno al estilo de otro misterio grande para el mundo occidental, la nueva banda de Nuno Bettencourt (ex Extreme), llamada Mourning Widows.

Es como el inicio de un viaje con una nueva fórmula, donde las guitarras son simples, las melodías son directas y la estructura delirante. Son nuevos sonidos, casi tan envolventes como la magia de un Jim Morrison o la exploración de un George Harrison, pero con un tinte diferente, sin mayores pretensiones ni rellenos obnubilantes.

Después de varios días como disco de cabecera te das cuenta porqué Jason Newsted sucumbió ante la magia de estas canciones y cambió a Hetfield por Dylan Dorkin, y a Ulrich por Brian Sagrafena.

No vale la pena entrar en el detalle de cada canción porque el disco es una droga que se entrega en cuenta gotas. No puedes alcanzar el éxtasis total sin beberte el último sorbo de este disco extraño, novedad sin fronteras y fuente de una experiencia emocional entrañable. De todas maneras acuérdate de poner oreja en temas como "Keep Me Alive", "Colder World", "Spoonfed" y la envolvente "Cryin' Shame", una simple muestra de este bichito que comienza a hacer eco en nuestros cerebros.

Aún cuando sabemos que Echobrain como banda dejó de existir, debido a que Newsted decidió comenzar junto con Gilby Clarke (ex-Guns & Roses) y Tommy Lee (ex-Möntley Crüe) lo que se conoce como "Rock Star Supernova" y en el cual hasta hicieron una especie de Reality Show para encontrar vocalista, que resultó ser Lukas Rossi... pero en fin, esa es otra historia. Echobrain marcó un nuevo rumbo musical que tal vez sigan otros influenciados por estos y que reinventen de cierta forma el rock que hoy por hoy conocemos, ¿por qué no?

Lista de Temas:
"Colder World"
"The Feeling Is Over"
"Spoonfed"
"Adrift"
"Keep Me Alive"
"Ghosts"
"SuckerPunch"
"Highway 44"
"I Drank You"
"Cryin' Shame"

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Apocalyptica

Lo que empezó casi como una anécdota freak en 1996 con ese álbum titulado "Plays Metallica By Four Cellos", poco a poco se fue asentando y trasmutando en un proyecto serio y en una propuesta original. Es así como hoy, los finlandeses de Apocalyptica, reducidos a un trío nos presentan su cuarto disco y el primero con material completamente propio. Atrás quedaron las versiones de Metallica, Faith No More, Sepultura y otros, y en este apropiadamente titulado "Reflections", nos encontramos con un trabajo pletórico de texturas, bellas melodías y una cuota importante de agresión.

El trío compuesto por los chelistas/violinistas Eicca Toppinen, Perttu Kivilaakso y Paavo Lötjönen, suena más que nunca a una verdadera banda, con el agregado de un pianista y atención, nada menos que Dave Lombardo en batería!!! Y lo cierto es que el gran percusionista cubano de Slayer, Grip Inc. Fantomas y Testament, le da un plus único a las canciones, uno lo escucha y sabe de inmediato que es Lombardo, incluso algunos cortes te recordarán a Slayer por sus riffs de chelos (sí, leíste bien, aquí los riffs están construidos con chelos con distorsión, no con guitarras eléctricas!!!), los que tienen un aires thrasher ochentero exquisitos.

En efecto, estos muchachos que estudiaron música clásica en el conservatorio y que al igual que Malmsteen, cuando vieron un video de Metallica en la televisión decidieron que querían tocar metal (en el caso de Yngwie fue un video de Judas Priest), nos presentan su propuesta única y sensacional; y a pesar que se trata de música instrumental, en ningún momento se hace aburrida o monótona. Las melodías de los violines y los chelos reemplazan las armonías vocales fantásticamente y tampoco abusan de la instrumentación, por lo cual los temas no están llenos de solos de violín como en un disco del violinista rockero americano Mark Wood por ejemplo. (Imagínense un Paul Gilbert o un Vinnie Moore del violín!!!).

Desde el vamos, y con el poderoso imput de Lombardo como base, temas como "No Education", "Somewhere Around Nothing" o "Resurrection" tienen la esencia del mejor thrash, con ese doble bombo brutal marca registrada de Lombardo y quiebres a lo Slayer. En otros como "Toreador II", los beats latinos de percusión apuntan a destacar la rítmica creada por los muchachos; en cambio "Conclusion" o "Heat" son bellas baladas, donde la desnudez de los violines resulta conmovedora, poniendo un paréntesis de respiro en medio de la contundencia del resto del material, logrando un balance perfecto entre agresión y melodía, caso de la espectacular "Cortége" que reúne lo mejor del heavy metal de los 80’s, algo que también encontramos en la veloz "Pandemonium"... imagínense un tema de Slayer del "South of Heaven", pero en vez de los durísimos riff de Hanneman y King con chelos digitados a mil por hora!!

Sin duda un álbum para disfrutar plenamente, pero en soledad, para poder apreciar los mágicos detalles de la excelente producción que el propio trío realizó en los afamados Finvox Studios de Finlandia. Y así también disfrutar de su bella portada y magnífico arte interior, con un nivel de fotografía alucinante y un booklet diseñado con sumo gusto estético. Es una placa redonda en todos los aspectos, que hace de este "Reflections", lejos, el mejor disco de Apocalyptica y ultrarecomendado, donde podrán encontrar desde música clásica inspirada por el compositor ruso Dmitri Shostakovich (principal influencia de los chicos en el conservatorio), pasando por melodías de ópera, heavy metal, thrash y más, en una amalgama de sonidos muy interesante y poco convencionales en la escena metalera actual.

Elucubraciones aparte, mejor seguir disfrutando el presente de Apocalyptica con este álbum fenomenal, que incluso posee temas de corte epopéyico como la cautivante "Faraway", que perfectamente podría estar en el soundtrack incidental de películas como "Corazón Valiente" o "Gladiador".

Lista de Temas
"Prologue" ft. Dave Lombardo - 3:12
"No Education" ft. Dave Lombardo - 3:17
"Faraway" - 5:13
"Somewhere Around Nothing" ft. Dave Lombardo - 4:09
"Drive" - 3:21
"Cohkka" - 4:27
"Conclusion" - 4:06
"Resurrection" ft. Dave Lombardo - 3:34
"Heat" - 3:21
"Cortége" ft. Dave Lombardo - 4:28
"Pandemonium" - 2:06
"Toreador II" - 3:56
"Epilogue" (Relief) - 3:29
"Seemann" (Feat. Nina Hagen) (Rammstein Cover) (Album Version) (*) - 4:43
"Faraway, Vol. 2" (Extended Version) (Feat. Linda Sundblad) (*) - 5:13
"Delusion" (*) - 4:10
"Perdition" (*) - 4:09
"Leave Me Alone" (*) - 4:11

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U2

Hace cuatro años, "All That You Can’t Leave Behind" le devolvió a U2 toda la mística y credibilidad que "Pop" le había arrebatado. Debe ser por eso que con su nuevo álbum, "How to Desmantle an Atomic Bomb" (título inspirado en el padre de Bono), los irlandeses se sienten más confiados y no temen en dejar que las cosas fluyan libremente. La banda se despega de una vez por todas de los ritmos bailables que cultivaron en los 90', para adentrarse en los bien pavimentados caminos de un pasado más simple.

Desde el comienzo, Bono parece ironizar con esta idea. "Los chicos tocan rock and roll, saben que no pueden bailar, al menos lo saben", canta en "Vertigo", tema que posee uno de los riffs más punk y comerciales que haya creado The Edge hasta ahora. Sobre una base orgánica de guitarra, bajo y batería, Bono pronuncia la palabra "feel" varios tonos más arriba de su registro vocal normal. Es interesante escuchar cómo un hombre que ya no tiene la misma voz de hace diez años, pueda sonar casi como un adolescente, que con un solo grito es capaz de rejuvenecer a una banda con más de dos décadas de vida.

Con la segunda canción, "Miracle Drug", U2 da un golpe de gracia y demuestra que "Vertigo" es casi un juego y que, de ahora en adelante, las cosas serán distintas. La suave atmósfera de su melodía sirve de tranquilizante para dar paso a la emocionante "Sometimes You Can’t Make It On Your Own". Aquí, Bono vuelca sus sentimientos hacia su padre, quien falleció de cáncer hace tres años, en un ejercicio de catarsis crudo, pero conmovedor. "Déjame recibir algunos de los golpes por ti esta noche"... "eres tú cuando me miro al espejo", son las frases que canta junto a una guitarra que va creciendo y que evoca algunos pasajes del álbum "The Joshua Tree".

A su manera, la banda también explora distintos caminos. Responden al sonido de muchos grupos garage-rock actuales, ejecutando un rock más directo y libre en "All Because of You", experimentan con la más oscura "Love and Peace or Else" y coquetean con el soul al estilo Motown en "A Man and a Woman". Sin embargo, los temas medulares de este disco son "City of Blinding Lights" y "Yahweh". La primera parece sacada del álbum "The Unforgettable Fire" y rememora los momentos más cinemáticos de U2, demostrando que The Edge no tuvo miedo de sonar como… bueno… The Edge, con guitarras llenas de eco y reverberancia.

Con "Yahweh", la banda hace algo similar. Vuelven a citar a "The Joshua Tree" y Bono construye frases del tipo "toma estas manos y no hagas un puño", reflejando el carácter de un tipo que cree fervientemente en que sus canciones pueden hacer la diferencia. Así, el grupo establece el tono del álbum como si los 90’ jamás hubiesen existido.

Con este disco, los irlandeses vuelven a pintar su música con colores primarios y demuestran que no han perdido su capacidad para componer canciones que emocionan. Claro, quizás ya no estén mirando obsesivamente hacia el futuro como solían hacerlo, pero qué importa. "How to Desmantle an Atomic Bomb" puede ser el álbum que los fans de U2 estaban esperando oír desde hace mucho tiempo y eso es un regalo invaluable.

Lista de temas
"Vertigo" – 3:11
"Miracle Drug" – 3:54
"Sometimes You Can't Make It on Your Own" – 5:08
"Love and Peace or Else" – 4:48
"City of Blinding Lights" – 5:47
"All Because of You" – 3:34
"A Man and a Woman" – 4:30
"Crumbs from Your Table" – 5:03
"One Step Closer" – 3:48
"Original of the Species" – 4:41
"Yahweh" – 4:22
"Fast Cars" – 3:44

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Red Hot Chili Peppers

La primera impresión del disco no es de las mejores. Por que al ver la carátula la exclamación es una sola: "¡la cuestión fea!". La verdad es que hace tiempo que no se veía una tapa tan pobre. Y más raro aún para un grupo del mainstream como los Chili Peppers. O a lo mejor es por eso mismo que se confiaron y se dieron la libertad de no trabajar tanto en la portada. Es cierto, estuvieron tanto tiempo encerrados componiendo y grabando los 28 temas del álbum doble, que lo más probable es que la energía a estas alturas estuviese muy disminuida. Como decía, el proceso creativo del disco fue bastante extenso. Unos nueve meses concentrados en crear un buen material fue el tiempo empleado por los cuatro Red Hot para sacar el "Stadium Arcadium", conformado de "Júpiter" y "Mars".

"Dani California" (que continúa con la historia de Dani de "By the Way") fue el escogido para ser presentado como primer single con video incluido. Revisando el disco completo, era este y ningún otro el indicado para ser sencillo. Y principalmente porque mantiene la música de los Red Hot Chili Peppers, y además lleva un ritmo bastante pegajoso, de esos que se quedan en el subconsciente. Le sigue la lenta "Snow (Hey Oh)", el que se caracteriza principalmente por el ritmo en la voz de Kiedis, muy similar a algunos temas del "Californication". Las baladas son la constante en esta primera parte. "Charlie", que tiene más tintes funk que los temas que lo rodean, es el antecesor de una melodía lenta bastante bien lograda, la homónima y semi-acústica "Stadium Arcadium". Este tema podría salir perfectamente al mercado como el segundo sencillo del álbum. Tiene armas como para ello. Más que mal, le da nombre al disco.

"Hump de Bump" es el primer track con mayor presencia funk del disco. El coro "hump de bump" es al más puro estilo "Kool and The Gang" y las melodías funkys de los 70. "Slow Cheetah" es otra canción más dentro de las lentas. En ella se puede apreciar una introducción vocal de Kiedis bastante extensa, para luego incorporar el bajo de Flea y la guitarra acústica a lo largo de todo el tema. De aquí en más, "Jupiter" se vuelve un tanto plano y hasta predecible en sus temas, con excepción de "Warlocks" y el protagonismo del bajo de Flea en "C'mon Girl". En resumen, el primer disco en su mayoría esta compuesto por baladas, con un funk que aparece de vez en cuando.

La guitarra acústica de Frusciante le da el vamos a "Mars" con el tema "Desecration Smile", el que luego le da paso a "Tell Me Baby", el que en un comienzo hace creer que se trata de otro tema lento, pero finalmente demuestra que es una evolución (más calmada) de "Get on Top", del "Californication", debido a sus rasgos de funk-rock. "Hard To Concentrate", siguiente de la lista, es ni más ni menos que un tema para dormir. Es ideal para ponerlo en la noche y poder conciliar el sueño.

Flea toma el protagonismo y junto a su bajo realiza una introducción para "21st Century", track que el mismo es el encargado de llevarlo. Un punto alto -y bastante- es "Readymade", quizás el más rockero del álbum. Hasta hay tiempo para que Frusciante se de la molestia de realizar un muy buen solo. "Animal Bar" es otro tema que se inclina más hacia el lado rock del grupo y en el cual se pueden escuchar algunas cosillas poco comunes de los Chili Peppers. "So Much I" (en el que la guitarra vuelve a sonar en solo) sigue con la línea más pop-rock de este segundo disco, a diferencia de las lentas baladas del primero.

"We Relieve" también destaca dentro de los novedosos sonidos que entrega "Mars". Una mezcla entre la guitarra, el bajo y un sonido algo eléctrico, sonico, así como espacial, hace pensar que se está en una especie de cosmos, el del Stadium Arcadium. El final de este segundo disco viene con "Death Of A Martian", un tema más relajado que sus predecesores y que da pie a una baja en las revoluciones hacia el fin del álbum.

La alineación planetaria de los Red Hot Chili Peppers se ve en el comienzo y el final del álbum. Mientras el inicio es con un tema bien ganchero, pegajoso, todo termina con una suave melodía, lo que hace recordar que los "chicos picantes" son una ya clásica mezcla de pop, funk y rock. Esto, sin dudas, es lo que les ha dado éxito a nivel mundial, el que esperan seguir cosechando con este "Stadium Arcadium".

Lista de Temas
Jupiter
"Dani California" – 4:42
"Snow (Hey Oh)" – 5:34
"Charlie" – 4:37
"Stadium Arcadium" – 5:15
"Hump de Bump" – 3:33
"She's Only 18" – 3:25
"Slow Cheetah" – 5:19
"Torture Me" – 3:44
"Strip My Mind" – 4:19
"Especially in Michigan" – 4:00
"Warlocks" – 3:25
"C'mon Girl" – 3:48
"Wet Sand" – 5:09
"Hey" – 5:39

Mars
"Desecration Smile" – 5:01
"Tell Me Baby" – 4:07
"Hard to Concentrate" – 4:01
"21st Century" – 4:22
"She Looks to Me" – 4:06
"Readymade" – 4:30
"If" – 2:52
"Make You Feel Better" – 3:51
"Animal Bar" – 5:25
"So Much I" – 3:44
"Storm in a Teacup" – 3:45
"We Believe" – 3:36
"Turn It Again" – 6:06
"Death of a Martian" – 4:24

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Foo Fighters

Cuando los artistas prometen y prometen que su nuevo disco es el mejor de su carrera, siempre queda un espacio para la duda. ¿Será cierto lo que prometió Grohl? ¿Será mejor que "In Your Honor", el álbum que él mismo había llamado como el mejor trabajo de Foo Fighters? Claro, cómo no plantearse esa duda, si en realidad aquel quinto LP de la banda atrajo a muchos más admiradores y aparte mostró un lado más sensible, pero no menos rockero, en temas como "Razor", "What if I do?" o todos los que aparecían en la segunda parte de aquella entrega.

Y si Grohl había mostrado una intrepidez admirable en cada uno de los temas de "In Your Honor", si estaba abierto a probar con distintos elementos, a mostrar el amor por su vida, "Echoes…" es el punto culmine de aquella plenitud. Manteniendo aquel particular estilo con que hemos conocido a la agrupación desde sus inicios, Foo Fighters se plantean frente al mundo con una claridad insuperable, uniendo a aquel estilo la maestría de la experiencia y la satisfacción del lugar que han alcanzado en este momento.

Porque este sexto álbum de estudio de Foo Fighters se resume precisamente en aquellas cuatro palabras que lo titulan, Ecos, Silencio, Paciencia y Gracia. La banda trajo de regreso a Gil Norton, con quien grabaron de forma más afiatada que nunca; recurrió al silencio de los (pre) juicios para componer estos 12 temas; han construido gradualmente un proceso que pareciera que estuviera en la cima creativa; y simplemente, se les nota más directos, transgrediendo sus propios conceptos sobre lo que podían lograr, y más orgullosos de su música que nunca. Y es que cuando emiten esa sensación íntegra "in your face", donde están completos como seres humanos, como hombres y músicos, en realidad no hay nada que se les pueda interponer.

En este nuevo disco, el lado acústico y el lado ruidoso llegan a unirse y no solo ser partes separadas. El comienzo no puede ser más brutal (de una buena forma), dando señas suaves con "The Pretender", que luego se transforman en uno de los temas más potentes que se le haya escuchado a Foo Fighters, mezclando la delicadeza con la fuerza progresiva en las guitarras y los ineludibles golpes en la batería de Hawkins. Y Grohl utiliza la voz sin ni siquiera recurrir al grito, jugando con los matices de la melodía y también con el volumen más alto. Y de repente, ya se transforma en un placer adictivo.

Jugando con esos matices, luego llega "Let it Die" (dedicada a Courtney Love), que también tiene un inicio muy calmado que deriva en un torrente eléctrico del que no se puede escapar, tal como "Erase/Replace", un tema más pesado aún: aprendieron a manipular el poder que se emite por los amplificadores no para componer canciones en un formato correcto, sino derechamente para apropiarse del auditor y no soltarlo hasta el final. Y con esos tres temas, Foo Fighters te convencen que no se vienen con palabrillas al viento.

Después le sigue "Long Road to Ruin", una alegoría a los acordes de Beach Boys y los juegos de voces de aquellas canciones californianas, y por fin, algo de tranquilidad, con "Come Alive", un track preciosamente confeccionado, como lo que en inglés se llama craft, en el más puro sentido del artista que moldea su obra con cuidado y fineza. No es un tema acústico, pero la guitarra baja de intensidad, la batería pasa a convertirse en percusión y todo llega a un clímax con un urgente "Come Alive! Come Alive!". Y es increíble, Foo Fighters logran convencer que este es un disco que no puede pasar inadvertido. Y "Strange Things Have Happened" es para emocionarse, Grohl leyéndole una carta de amor a su esposa con toda la pasión del mundo y con un tono de voz hasta distinto, con solo un par de guitarras acústicas como trasfondo, realmente de otro mundo.

El disco nos lleva a un descanso con "Cheer Up Boys (Your Make Up is Running)", puesta intencionalmente a la mitad del álbum para dividir aquella primera parte tan, tan intensa de esta otra parte más relajada, que continúa con un corte del estilo happy de R.E.M. de los ochenta en "Summer’s End", para proseguir con "The Ballad of the Beaconsfield Miners", un track completamente instrumental dedicado a dos hombres que se quedaron atrapados en una mina en Tasmania, y que mientras esperaban su rescate, escucharon en un I-pod la música de Foo Fighters. La música es excepcional, con un juego de cuerdas digna de un maestro, pero no así carente de cariño.

Luego provienen los dos primeros temas en la historia de Foo Fighters que incluyen piano, ambos con una fuerte influencia de Paul Mccartni: uno es "Statues" y "Home", con Dave en el piano, da para llorar.

Dave Grohl tenía razón, por mucho que no le queramos creer. "Echoes, Silence, Patience and Grace" es uno de los mejores discos de la trayectoria de la banda, y eso es simplemente porque tenían la convicción de lograrlo, seguros de que este momento es irrepetible y concientes que la autenticidad es la herramienta principal para crear un trabajo honesto, fino, potente, donde el silencio y la gracia coinciden para extraer la inspiración.

Lista de temas:
"The Pretender" – 4:29
"Let it Die" – 4:05
"Erase/Replace" – 4:13
"Long Road to Ruin" – 3:44
"Come Alive" – 5:10
"Stranger Things Have Happened" – 5:21
"Cheer Up, Boys (Your Make Up Is Running)" – 3:41
"Summer's End" – 4:37
"Ballad of the Beaconsfield Miners" – 2:32
"Statues" – 3:47
"But, Honestly" – 4:35
"Home" – 4:52

Link de descarga: http://files.filefront.com/Foo+Fighters+Echoes+silerar/;8965702;/fileinfo.html