Shinedown

Como prometimos hace unos meses atrás, llega a Hard Rock File el nuevo trabajo de Shinedown, "The Sound of Madness". Shinedown regresa como quinteto para editar su tercer disco en estudio. El aporte de Rob Cavallo en la producción hace de "The Sound Of Madness" un prolijo trabajo para una forma de hacer este hard rock revigorizado para esta década. Cuando se le preguntó a su vocalista Brent Smith acerca del disco, este dijo que habían estado esperando un cambio desde el "Us and Them", disco que ya presentaba algunos cambios [algunos radicales] desde su disco debut "Leave a Whisper". Para esta placa la banda había escrito y compuesto 40 temas que finalmente redujeron a 11.

El disco parte con "Devour" y notamos desde el principio el cambio de actitud y sonido de Brent y compañía, su voz suena menos melódica y con más rabia, lo que le da un plus más rockero. "The Sound of Madness" continua la línea musical del nuevo trabajo, hablando de la locura que despierta este disco. "Second Chance" nos recuerda más al trabajo anterior, con Brent más melódico y perspicaz.

"Cry For Help" es más desenfrenada, como "Sound of Madness", con guitarras más estridentes y menos ganchera, hasta acá se aprecia, y agradece, el cambio que decidieron imponer, ya no suena tanto a ese Southern Rock como los discos anteriores, estos dos temas dan cuenta de ese upgrade sonoro, inspiradas guitarras de la nueva dupla formada por Nick Perry y Zack Myers, quienes llevan la pauta musical a las composiciones de Smith junto a Dave Bassett. A esto se suma "The Crow And The Butterfly", aquí volvemos a es Shinedown más lento y familiar de antaño.

"If You Only Knew" es una verdadera canción de amor, y le da esa pausa necesaria a un disco tan power como este, bien ganchera y romanticona que habla de cómo, cuando nos enamoramos perdemos hasta el sueño, cosa que no habíamos visto (o escuchado) por parte de la banda. "Sin With a Grin" devuelve el power que comenzamos a escuchar desde el "Us And Them", reitero, la voz de Smith ha cambiado un poco, no sé si será un falsete o si esta es la verdadera personalidad del tipo de Florida.

"What A Shame" parte con guitarras más limpias que nos conduce entre la voz de Brent hasta el coro –" What a shame, what a shame. To judge a life that you can't change. The choir sings, the church bells ring. So, won't you give this man his wings?" – en donde volvemos a la estridencia de las guitarras y logramos notar los distintos matices que Brent produce. Una de las mejores canciones del disco a mi parecer.

"Cyanide Sweet Tooth Suicide" ataca con todo desde el comienzo, la distorsión se hace presente de la mano de la guitarra de Jasin Todd. Para cerrar el disco están "Breaking Inside" un verdadero grito a la vida [y a la muerte] y "Call Me" una excelente canción compuesta enteramente con piano, otra canción de amor que no es común en Shinedown, la power balada que nunca está de más para evolucionar en un mercado tan inverosímil.

"The Sound of Madness" es 100% recomendable, tiene de todo un poco, desde el Hard Rock más pesado con "Cry For Help" hasta la calma de una balada o una canción de piano como "Call Me". A grandes rasgos, es el mejor disco de la banda hasta ahora, superaron en un gran medida mis expectativas, cosa que no creí posible en un campo musical que no cambia y que mantiene las líneas que hacen ganar más dinero y hacen más famosos a bandas que temen evolucionar, como el ultimo trabajo de 3 Doors Down.

Lista de temas
1. "Devour" - 3:49
2. "Sound of Madness" - 3:53
3. "Second Chance" - 3:40
4. "Cry For Help" - 3:20
5. "The Crow & The Butterfly" - 4:13
6. "If You Only Knew" - 3:46
7. "Sin with a Grin" - 4:00
8. "What a Shame" - 4:18
9. "Cyanide Sweet Tooth Suicide" - 3:11
10. "Breaking Inside" - 3:51
11. "Call Me" - 3:42

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Dogma

La música chilena se hace presente en Hard Rock File de la mano de Dogma. Un excelente disco de metal chileno, bien "oreja" y con diversas intensidades. Tiene suficientes singles y la curiosa participación de una teenager bien linda que hasta entonces se cuadrada en el pop... fuera de la amargura de la ortodoxia metalera me parecen bastante acertadas sus intervenciones, acoplándose impecablemente con el James Hetfield criollo Don "Gabito" Almazán. Es un disco con un sonido muy bien logrado, de excelente producción y arreglos por doquier. Dogma (Dynamic Overproduced Groove Metal Art) sabe mantener la firmeza del metal clásico y directo, si bien se dan la libertad de explorar otras capilaridades.

Con este disco, la banda chilena de power-thrash metal deja de lado las fronteras musicales y se pone al nivel de cualquier grupo en el mundo con un sonido fino y bien producido, ya que "Super Fix" es, sin temor a equivocarme, uno de los discos de rock con mejor sonido grabado Chile, por sobre, incluso, el de otros más consolidados como Criminal o Dracma.

En 14 canciones, la banda formada por Gabriel Almazán (voz y guitarra), Sebastián Rojas (batería), Lucas Yaksic (guitarra) y Sandro Trabucco (bajo), demostró un paso gigantesco en su evolución musical si se compara con el trabajo en su disco debut, "Improve The Silence" (1997). En "Super Fix", Dogma confirma su slogan de banda "sobre producida", ya que los detalles que terminan el disco son tantos y tan variados que conforman un sonido completo y definido. Secuencias, samplers, coros gospel, coros femeninos, guitarras pesadas, guitarras limpias, bajos subterráneos, entre otros, conforman un sonido redondo y del más alto nivel, resaltando la buena capacidad vocal de Almazán y la destreza de los guitarristas.

Con su single "Trust Cancer", el disco se muestra en la nueva etapa, con la experimentación tecnológica llevada al máximo. Sin embargo, la parte cruda y directa que caracterizó sus comienzos todavía está presente como en canciones más power como "Blast Display" y "Blue Eyes" que es genial y metalera a más no poder, donde la energía se derrama por todos lados. "Metal Breakdown" nos muestra un poco más la participación de Trabucco, muy bien lograda.

Además, hay dos canciones lentas, muy onda Days Of The New, que sirven para demostrar la investigación sonora de la banda, y un cover para el clásico de Del Shannon, "Runaway", que en versión "Super Fix" suena realmente notable.

Lista de temas
1. "Steppin' Stone" – 3:44
2. "Trust Cancer" – 3:34
3. "Blue Eyes" – 3:36
4. "Metal Breakdown" – 6:14
5. "IDL" – 4:19
6. "Mr. Waste" – 2:19
7. "After All" – 5:44
8. "Insensitive Scare" – 3:37
9. "Runaway" – 1:54
10. "XN3CT" – 3:08
11. "Fly 4 Free" – 4:09
12. "Blast Display" – 2:48
13. "Purple Hair" – 1:32
14. "The End" – 3:19

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Staind

A la espera del nuevo trabajo de Staind que está por salir, en agosto próximo, dejamos en Hard Rock File el último trabajo registrado en estudio de la banda estadounidense.

El quinto capítulo de la vida de Staind, "Chapter V", se muestra más reflexivo y menos temeroso a experimentar con nuevos sonidos y propuestas melódicas. Recordemos que esta banda ha vendido millones de discos con sus dos últimos discos, y a estas alturas, donde cada grupo debutante en el mercado consigue llegar a los primeros lugares de todos los rankings de televisión, radio u otros medios, es necesario utilizar elementos que les permitan estar presentes en la conciencia colectiva o también abandonar otros para no cansar al público con tonos escuchados una y otra vez.

Primero, Staind recurrió al productor David Botrill, aún cuando con Josh Abraham, el ingeniero tras "Break the Cycle" y "14 Shades of Grey", llegaron a terrenos que ni siquiera ellos mismos esperaban. Bottrill literalmente exprimió a los cuatro miembros de la banda: se percibe en todo aspecto, desde la desgarradora voz de Aaron Lewis que se traslada desde suaves fraseos a emocionantes exclamaciones, hasta las guitarras que por momentos suenan de forma muy delicada pero que también prueban con rasgueos más metaleros.

Por otra parte, Lewis ya no está solamente para quejarse de su vida, sino también para preguntarse los porqué que lo ahogaban y así tratar de buscar soluciones, ya no es un jovencito desposeído viviendo en un trailer en Vermont, es un hombre de familia, con otras ideas, convicciones y objetivos. Aunque aún se evidencia la autocompasión, que a veces resulta agotadora, se valora el intento de mirar las cosas desde una perspectiva diferente.

Si hubiera que calificar o titular con una palabra a "Chapter V", ésa sería tanteo, pero no uno azaroso sino, como se mencionó, uno con metas claras, como la de superarse a sí mismos en términos compositivos. Hay temas que realmente sorprenden porque se salen de todo esquema que el cuarteto había creado en forma previa, como lo son "Run Away", que suena hasta optimista (sólo musicalmente) y en la que se puede oír a Lewis con un fraseo a lo Jonathan Davis o también "Paper jesús" que cuenta con una fuertísima influencia de System of a Down (SÍ, System of A Down) tanto en el peso y la gracia de la guitarra como en la vocalización.

Hay otras canciones que por su estructura y por características obviamente reconocibles caben en el nü metal, rescatando lo más notable del estilo, como "Cross to Bear", que comienza con un punteo agudo, como inspirado en Tom Morello y donde Lewis canta gritándole al mundo; las oscuras "Please" y "Falling", ésta última resume el crecimiento y el estado mental en que se encuentra la banda… "the falling is easy/it’s getting back up that becomes the problem" (“es fácil caerse, el problema es ponerse de pie”); y "Reply", un homenaje a la lealtad de los fans del grupo, que "le lleva" melodía ochentera cerca del final.

"King of All Excuses" requiere de una mención aparte, debido a que es un gran tema que bien podría ser single y que evoca a Disturbed o a las bandas más furiosas de ese tipo, tiene guitarras discordantes y voces expelidas con rabia, como si fuera un montón de "m i e r d a" acumulada. Este track sin duda es uno de los más poderosos que se haya escuchado de Staind y deja de lado todas aquellas preconcepciones que se puedan formar de la banda acerca de una supuesta mamonería.

Pero lo que distingue a Staind son las canciones más relajadas, más sensibles. El primer single, "Right here", muestra una selección de todos los ingredientes que forman a "Chapter V", melodías suaves y también guitarras distorsionadas y a Lewis cantando desde el corazón con letras melancólicas. "Schizophrenic Conversations", que no es que Lewis esté loco, sino que escucha voces en su cabeza que lo impulsan a dejar a un lado la rabia y la inquietud y que, en cambio, lo llenen de paz; "Trippy", una canción un tanto más predecible dentro del contexto de Staind, "Devil", un símil de "Down in a Hole" de Alice in Chains; y "Everything Changes", una balada que incluye las melodías de un piano… parece que las juntas han maleado a Staind, se nota un gustillo a 3 Doors Down, o a ese rock sureño inconfundible.

Staind vuelve al estrellato con un disco ágil, tiene algunas caídas pero en forma general es un buen regreso. Los chicos de Massachussets no se vienen con falsedades, se vuelcan por completo en cada uno de los doce temas de "Chapter V" y esa entrega se comprende y se aprehende de manera inmediata porque muestra las diferentes tonalidades de la personalidad humana, sonando más a búsqueda musical que a estrategia mercantil… esperemos que sea así.

Lista de temas
1. "Run Away" – 3:39
2. "Right Here" – 4:13
3. "Paper Jesus" – 4:14
4. "Schizophrenic Conversations" – 4:32
5. "Falling" – 4:20
6. "Cross to Bear" – 3:40
7. "Devil" – 5:00
8. "Please" – 4:24
9. "Everything Changes" – 3:58
10. "Take This" – 4:42
11. "King of All Excuses" – 3:39
12. "Reply" – 4:14

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Coldplay

Si hay una banda a la que Coldplay reconoce "plagiar", esa es Radiohead. Y en este cuarto trabajo de los de Londres, una palabra está clara, la experimentación. Es por eso que, uniendo esos dos conceptos, es probable que "Kid A" sea la primera ocurrencia que aparezca en el momento de oír estas canciones, particularmente por el uso de electrónica y por una especial base de sonidos que cubre muchos espacios, sin dejar absolutamente nada al azar. Pero luego, se hace notoria la responsabilidad que tuvo Brian Eno en este disco: el sonido de las guitarras no es el mismo –sobre todo por la crudeza que alcanzan los instrumentos en ciertos niveles-, el hecho de escuchar a un grupo mucho más arriesgado que se aleja de las estructuras típicas y que, en vez de comenzar con un track ganador, apuesta por un instrumental, "Life in Technicolor", como algunas de las señales que el productor devela en su fundamental paso por el proceso creativo del grupo.

Todo el sentido de las canciones del sucesor de "X&Y" transita precisamente por lo que Eno aconsejó a Coldplay y por el título de este registro: el darle vida a las melodías. No hay un solo corte en todo el disco que pueda ser ignorado, llegando muchas veces a momentos conmovedores. Antes que todo, resulta increíblemente cierto que aquí se terminó el Coldplay que conocíamos hasta ahora, y del que solo resta la voz de Martin, los ganchos en los coros y las secciones de piano: aquí se impone la musicalidad y cientos de capas sonoras que rememoran al post punk y al dream pop y a muchísimas cosas más, con una lucidez que no se esperaba viniendo del cuarteto británico.

"Life in Technicolor" da el arranque a esta producción con una mezcla de partes entre las secuencias y la electrónica, el rasgueo de las cuerdas y un aumento de la intensidad con la suma del bajo y la batería que mucho le debe a The Cure, pero, por lo contrario de lo que se puede pensar, no abre la puerta en forma definitiva a lo que se viene en los próximos tracks, ya que entrega solo un adelanto de lo que se podrá escuchar más adelante, aunque está más que claro el cambio estilístico que sufrió Coldplay. Luego, "Cementeries of London" aparece como una canción más "percusiva" que melodiosa, basada en una repetición de sonidos con un final inesperado y sencillísimo. Vale decir también que Martin ha alcanzado otro nivel interpretativo, utilizando más potencia para convencer, para atraer y para ser un instrumento esencial dentro del conjunto de la canción.

Continuando en esa línea "percusiva", aunque con lo reverencial del teclado de Arcade Fire, "Lost!" calza dentro de un esquema que evoca más al trabajo previo de Coldplay, con aquella estructura estrofa-coro-estrofa-puente, aunque de todas maneras es un corte que jamás habría encajado en los trabajos previos de los londinenses. La emotividad llega de la mano de "42", un tema que viene del área prog rock a la Radiohead, con unas guitarras que suenan más fuertes que nunca entre medio de loops y teclados, como si fueran tres canciones en una.

La primera parte del sexto track, "Lovers in Japan" está completamente inspirada en U2, si hasta parece que el mismo Larry Mullen Jr. estuviera sentado en la batería y el mismo Adam Clayton estuviera en el bajo. Es posible que el sonido de este corte también se deba a Brian Eno, que, como productor, busca que todos los instrumentos logren protagonismo. En tanto, la segunda parte, "Reign of Love", pone de regreso a Martin en el piano logrando crear un enternecedor ambiente de intimidad, tocando una fibra sensible sin ese tono blandengue con que se conoce a Coldplay, y probando que sin contar con un cúmulo de sonidos también puede haber experimentación y belleza. Impresionante.

En "Yes", Chris Martin hace un uso de su voz totalmente inusitado, comenzando a cantar en tonos muy bajos y queriendo conseguir algo más sensual y seductor –cuando dijeron que este disco contenía de todo, era verdad, ni siquiera hace falta mirar las letras de los temas para darse cuenta- dividiéndose asimismo, en dos partes. La última muestra a la banda en aquel lado dream pop que mencionaba anteriormente, junto con una soberbia fuerza en la batería.

"Viva la Vida", por otro lado, retoma la parte más pop de Coldplay con letras cantables y la majestuosidad de un acompañamiento de cuerdas (violines, etc.), campanas, timbales e instrumentos de viento: esta es la celebración que perseguía el grupo al bautizar este disco con aquel nombre. Posteriormente llega su primer single, "Violet Hill" la menos "arriesgada" del álbum, dentro de todo su contexto, pero como primer extracto del registro suena como un Coldplay similar al anterior, pero más crudo, más ruidoso, dejando casi para el cierre una de las escasas secciones en que Martin retoma su falsetto para terminar solo frente al piano.

Cerca del final, "Strawberry Swing" tiene un aire lúdico, suave, gentil, que distrae un poco del entorno experimental que han creado los ingleses. "Death and All His Friends" aparece como una dulce melodía de cuna que aumenta en intensidad una vez que la banda entera toma su papel en una canción que concluye tal como inicia el disco, con una base de loops y la voz de Martin sentenciando "and in the end we lie awake and we dream of making our escape..."

"Viva la Vida" marca un antes y un después en la carrera de Coldplay, con una actualidad sumergida en la audacia, en buscar distintas soluciones y en utilizar diversos recursos. Y si bien cargaban con el peso de ser una banda sosa, hoy fácilmente podrán liberarse de ella con este increíble disco –increíble tanto por los conceptos con que se medían al grupo y que ahora no sirven para nada, como por la amplitud de sus propios límites, que se han extendido a un nivel inesperado- formando así un excelente trabajo. Y aunque sea por curiosidad, es imposible dejarlo pasar.

Lista de temas
1. "Life in Technicolor" – 2:29
2. "Cemeteries of London" – 3:21
3. "Lost!" – 3:55
4. "42" – 3:57
5. "Lovers in Japan" – 3:56
6. "Reign of Love" – 2:55
7. "Yes" – 4:04
8. "Chinese Sleep Chant" – 3:02
9. "Viva la Vida" – 4:01
10. "Violet Hill" – 3:42
11. "Strawberry Swing" – 4:09
12. "Death and All His Friends" – 6:18

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Kittie

El contexto de esta nueva presentación de las canadienses de Kittie se resume en toda la experiencia de los últimos tres años: su placa "Until the End" del 2004 fue un fracaso, la banda quedó prácticamente en bancarrota y las socias y hermanas Morgan y Mercedes Lander tuvieron que rearmar al grupo por enésima vez. Sin embargo –y con una tozudez digna de admiración- las Kittie volvieron a las pistas de la música.

Bajo el alero de su propio sello, X of Infamy (que previamente sería llamado Kiss, pero el ilustre Gene Simmons amenazó con demandar a la banda si utilizaban el nombre), las chicas resurgieron de las cenizas con la actitud de dejar atrás el pasado, sin olvidar las lecciones aprendidas. "Funeral for Yesterday" en sí, es un disco conceptual que trata sobre todos aquellos eventos cercanos a la muerte, tanto situaciones que el grupo vivió como las que afectaron a la sociedad desde la publicación de su tercer álbum.

Asimismo, pareciera que Kittie, cuando proclamó su renovación, se desestancó creativamente, y aprovechó de paso de contratar a las chicas que ejecutaran con brillantez sus instrumentos. Un verdadero “Funeral para el ayer”. Hay buenos avances, como por ejemplo, que la vocalista Morgan haya aceptado su voz ‘melódica’ sin tratar de emular al guturalismo del death metal con tanta devoción. También se nota un buen cruce de influencias, desde el mismo death/thrash metal (clarísimo en "Never Again", hasta algunos elementos hard rock y otros más melodiosos en "Sweet Destruction (Interlude)", y una impecable ejecución en todos los instrumentos, pero, ¿qué hay más allá de eso?

Kittie ofrece una especie de ‘metal-pop-alternativo’, si se puede llamar de esa forma. Sus canciones pueden ser gancheras (al inicio, con "Funeral for Yesterday") o brutales ("Witch Hunt"), debiéndoles una gran cuota de inspiración a Slayer. La cuarta placa de Kittie es lo que fomemente se denomina en la crítica musical ‘un disco correcto’: buena ejecución e interpretación, buenos temas, pero algo sucede que no logra convencer por completo. Tal vez han sido los mismos cambios de integrantes, que han impedido que se cree cohesión tanto en el cuerpo de obra de Kittie como en sus relaciones como compañeras de banda. Lo positivo es que, si continúan esforzándose con esta misma formación y si ambicionan superar la meta de este trabajo –que es muy posible- podrían sacar un gran álbum cuando se lo propongan, como lo hicieron con su primera placa "Spit". Sólo les basta constancia.

Lista de temas
1. "Funeral for Yesterday" – 3:24
2. "Breathe" – 3:11
3. "Everything That Could Have Been" – 4:43
4. "Slow Motion" – 3:55
5. "Will to Live" – 3:18
6. "Never Again" – 3:49
7. "Sweet Destruction Interlude" – 2:25
8. "Summer Dies" – 3:53
9. "Flower of Flesh and Blood" – 2:14
10. "Around Your Heart" – 2:56
11. "This Too Shall Pass" – 3:07
12. "Last Goodbye" – 2:38
13. "Witch Hunt" – 4:01
14. "The Change" – 3:57

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Bon Jovi

Mucho se especuló y rumoreó que con este nuevo disco, Bon Jovi se pasaría del rock a la música country. Gran parte de esa controversia se debió a que con la canción "Who says you can’t go home" de su disco anterior "Have a Nice Day" ('05), el grupo llegó al Nº1 del ranking de la música country en Estados Unidos. Fue un gran éxito que echó a rodar esta bola de nieve donde muchos daban por consumado el cambio de estilo.

Ante ese panorama y contexto, eran muy pocas, por no decir nulas, las expectativas que tenía por este nuevo disco del cuarteto de New Jersey (siempre acompañado por el bajista de sesión Hugh McDonald, que al fin y al cabo, fue el que grabó el bajo desde un principio en todos los discos de la banda). Pero para mi sorpresa y seguramente para la de muchos, "Lost Highway" es un disco derechamente rockero. Es cierto que tiene algunas canciones donde se coquetea con el pop adulto a lo U2, pero la mayor parte del álbum tiene una vibración muy rockera a la que yo le agregaría el epíteto "vaquero"; claro porque este álbum recuerda mucho a aquel "Blaze of Glory – Young Guns II" que Jon Bon Jovi grabó en plan solista en 1990, cuando se despachó el soundtrack entero para la película de vaqueros "Jóvenes Pistoleros 2" acompañados por músicos ilustres como Jeff Beck en las guitarras y nuestro reciente visitante, Kenny Aronoff en la batería.

Todo comienza con "Lost highway" (la canción), un mid tempo súper melódico, que deja claro de entrada que este es un "road álbum" es decir, un disco ideal para escucharlo en la carretera, durante un largo viaje a algún lugar desconocido, muy lejos de la ciudad; todo sigue de gran forma con "Summertime", un claro single a futuro y que recuerda la onda y el groove que tenía el disco "Crush" ('00), el último gran trabajo de la banda. "(You want to) make a memory" es la primera balada del disco y demuestra que Jon no ha perdido un ápice de su voz y que al menos en estudio, está cantando de gran forma, muy emotivo aquí. "Whole lot of leavin'", es una de las más 'vaqueras' del disco, comienza con una intro con guitarras acústicas y luego Richie Sambora se luce con su slide, recuerda canciones del pasado como "Blood on blood" o "Living in sin" del "New Jersey" ('88). Sin duda es una de las grandes canciones del disco. Luego llega la excelente y contagiosa "We got it going on", sin duda la más rockera y contundente del disco, con un, nuevamente, gran trabajo de Sambora en las guitarras, esta vez utilizando el famoso efecto "talk box", que tanto éxito le dio a la banda en los 80’s, proporcionándole además un sello distintivo al grupo, que supo hacer del uso de este efecto, una marca registrada al igual como lo hizo Scorpions con canciones geniales como "The Zoo".

"Any other day" es una de las varias baladas que incluye el disco, y se deja disfrutar, ya que paulatinamente va subiendo en intensidad y emoción para terminar redondeando una muy buena canción; "Seat next to you" es más intimista y romántica que la anterior, y lo cierto en que Bon Jovi siempre ha hecho grandes baladas en el pasado, y esta puede ser una de las buenas en el presente.

Lamentablemente, desde la medianía del disco en adelante, todo se pone muy edulcorado y excesivamente melódico, cayendo en lo meloso por momentos, pero aún así, en la recta final del disco sorprende un tema como "I Love This Town " con excelentes guitarras acústicas y ese aire vaquero de sumo gusto, donde la banda (o quizás Jon y Richie por separado o en conjunto), demuestran todo su amor por grandes íconos del rock americano como Tom Petty y Bruce Springsteen.

En definitiva "Lost Highway" no es un mal disco para nada, tampoco lo mejor que ha hecho la banda, pero que mantiene la vigencia y actualidad de una banda que ya superó el test del tiempo y se convirtió en un clásico inmortal.

Lista de temas
1. "Lost Highway" - 4:13
2. "Summertime" - 3:17
3. "(You Want to) Make a Memory" - 4:36
4. "Whole Lot of Leavin'" - 4:16
5. "We Got It Going On" - 4:13
6. "Any Other Day" - 4:01
7. "Seat Next to You" - 4:21
8. "Everybody's Broken" - 4:11
9. "Till We Ain't Strangers Anymore" featuring LeAnn Rimes - 4:43
10. "The Last Night" - 3:32
11. "One Step Closer" - 3:35
12. "I Love This Town" - 4:36

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Puddle of Mudd

Tras editar "Stuck" y "Abrasive" en junio de 1999, la historia de esta agrupación comienza de nuevo, porque es en ese momento cuando el cantante de la banda Wes Scantlin le hace llegar un demo a Fred Durst, líder de Limp Bizkit, y éste decide contratarlos para su sello Flawless. Claro, este hecho marcó un nuevo inicio de la banda, porque después de eso nada sería igual para Scantlin.

Lo primero fue reclutar nuevos miembros para el grupo, pues los anteriores estaban un tanto alejados de la agrupación; los escogidos fueron el guitarrista Paul Phillips, el bajista Doug Ardito y el baterista Greg Upchurch, que había participado en Eleven y girado en reiteradas ocasiones junto a Chris Cornell. Con ellos se dio inicio a los trabajos para la realización del primer álbum de Puddle of Mud junto a Flawless y a Durst.

Luego, con la producción del mismo Fred Durst y John Kurtzweg (Creed), grabaron "Come Clean", disco donde todas las composiciones son de Scantlin y que nos recuerda en cierta medida, a algunos elementos de la música de grupos como Nirvana, Silverchair o Soundgarden, demostrando toda la influencia que tiene el rock de los 90 en el sonido final de la banda. Del álbum "Come Clean" compuesto por 11 canciones, destaca el primer tema "Control", el cual fue utilizado como tema presentación de la serie "Survivor Series 2001", y también fue parte de la banda sonora de la película "The Killer". El tema "Blurry" también gozó de popularidad, además de aparecer en uno de los video juegos de la saga "Ace Combat", considerándose el tema que mas éxito en los rankings acarreó, situándose en el número 5 en las listas Billboard Hot 100, y número 8 en el Reino Unido.

Entre los fans de Puddle of Mudd, "Come Clean" es el disco que goza de mayor aceptación y es considerado como el mejor disco de la banda.

Lista de temas
1. "Control" – 3:50
2. "Drift & Die" – 4:25
3. "Out of My Head" – 3:43
4. "Nobody Told Me" – 5:22
5. "Blurry" – 5:04
6. "She Hates Me" – 3:37
7. "Bring Me Down" – 4:03
8. "Never Change" – 3:59
9. "Basement" – 4:22
10. "Said" – 4:08
11. "Piss It All Away" – 5:39

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Puddle of Mudd

Tras el éxito y la aceptación que tuvo el trabajo, la banda en el 2002, se embarcó en una gira por Europa junto a las agrupaciones Godsmack, Staind, y Stone Temple Pilots, entre otras, como parte de la gira "Family Values 2001 tour". Luego de esta gira la banda seguiría creando material, lo cual dio como resultado el disco "Life On Display", con la producción esta vez de John Kurzweg, que vio la luz el 25 de Noviembre del 2003. De este álbum hay dos tracks que nuevamente tuvieron éxito "Away From Me" y "Heel Over Head". De igual manera este disco tuvo bajos niveles de venta.

Algunos explican esta situación debido al poco apoyo brindado por parte de Geffen Records, sello con el cual habían firmado. Luego de esta situación nuevas adversidades se presentarían en el desarrollo de la banda cuando dos integrantes se marcharían de sus filas, quedándose sin baterista ya que Greg Upchurch decidió comenzar a tocar con la banda "3 Doors Down" y guitarrista luego de que Paul Phillips acusara diferencias musicales y personales con Scantlin.

Lista de temas
1. "Away From Me"
2. "Heel Over Head"
3. "Nothing Left To Lose"
4. "Change My Mind"
5. "Spin You Around"
6. "Already Gone"
7. "Think"
8. "Cloud 9"
9. "Bottom"
10. "Freak Of The World"
11. "Sydney"
12. "Time Flies"

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Puddle of Mudd

En el 2005 la banda nuevamente logra estabilidad y una formación completa. Christian Stone se suma en guitarra y Ryan Yerdon se encargaría de la batería. Con la nueva alineación Puddle of Mud comienza en el 2006 el proceso de grabación de su último disco. El tercer disco de la banda vio la luz el 9 de Octubre del 2007. En primera instancia el disco recibiría el nombre de "Livin' On Borrowed Time", nombre del segundo tema del disco, pero lo cambiaron a "Famous", nombre que lleva la primera pista del disco y el primer single del disco.

"Famous" consta de 11 tracks, entre los que se encuentran "Psycho", segundo single del disco y "Marry Go Round", que constituyen los con mayor aceptación entre el publico. Pero sobre todo "We Don't Have to Look Back Now" se lleva los aplausos, un excelente tema con incorporaciones de piano, por un momento me pareció que Scantlin estuvo escuchando a Grohl y compañía para conseguir algo de inspiración.

Si bien con "Famous" la banda mantiene el estilo que los hizo conocidos en su momento, no deja totalmente satisfecho, sobre todo luego de su disco debut que fue, por sobre los dos últimos, el mejor. Sin embargo, "Famous" se presenta con un mejor sonido y con mucha más fuerza que "Life On Display". Es de esperar que el próximo trabajo de Puddle of Mudd nos de algo más tangible y que puedan superar lo que fueron en sus comienzos.

Lista de temas
1. "Famous" - 3:17
2. "Livin' On Borrowed Time" - 3:03
3. "It Was Faith" - 3:32
4. "Psycho" - 3:30
5. "We Don't Have to Look Back Now" - 3:42
6. "Moonshine" - 4:08
7. "Thinking About You" - 3:42
8. "Merry Go Round" - 2:44
9. "I'm So Sure" - 4:32
10. "Radiate" - 3:13
11. "If I Could Love You" - 3:11

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Disturbed

Los "perturbados" de Chicago, Illinois, continúan su carrera con su cuarto disco en ocho años, el sucesor de ese plano y más aburrido y lineal "Ten Thousand Fits" de hace ya tres años atrás. De partida, y lo más significativo a mi modo de ver, es que esta nueva placa es mucho mejor que la anterior, en efecto, se trata de un disco globalmente mucho más sólido y compacto, más variado también y que no se sustenta sólo en tres o cuatro canciones gancheras de cara a la radio. Aquí todo el material me parece al menos interesante y que se deja disfrutar sin llegar a aburrir, y que posee ese fuego interno que inyecta combustible al oído con cada nueva escucha.

La banda continúa en ese crossover de alejarse lo más posible de esa escena nü metal donde se le encasilló el año 2000 cuando aparecieron con un rotundo éxito en el segundo escenario del Ozzfest, y del cual pude ser testigo en persona, para adentrarse de lleno en los terrenos del hard rock y el heavy metal más tradicional, ese con abundantes melodías y armonías vocales, una buena dosis de solos de guitarra, todo sustentado en una base rítmica sólida y potente. Si bien es cierto la portada tiene un enfoque bastante adolescente y con claras referencias a los juegos de video, el contenido musical y lírico es bastante más "adulto", y según el vocalista David Draiman, casi toda la música de este disco está inspirada en oscuras experiencias personales de su pasado reciente como un accidente en motocicleta, un incendio en su casa, un suicidio de una persona cercana y una serie de malas relaciones sentimentales, que según el cantante, dotaron del disco de una energía oscura y pesada, pero como dice el refrán, "lo que no te mata, te hace más fuerte" y esa parece ser la actual filosofía de la banda y de ahí se desprende el título del álbum.

Musicalmente, y como ya lo enunciaba, este Disturbed modelo 2008, suena bastante tradicional en el buen sentido de la palabra, moviéndose con sutileza entre el hard rock y el heavy metal, pero a su manera y sin dejar de lado la importante cuota melódica que siempre ha acompañado las composiciones de la banda. El disco es parejito y de buen nivel, con 12 cortes bastante potentes que surten una suerte de inyección de energía y adrenalina, sobre todo para las frías mañanas, donde cuesta activar los motores. Mucho mejor que tomarse unan taza de café es pinchar cortes como el potente opening del tema título, que es un fiel representante de lo que encontraremos a lo largo y ancho de todo este álbum, con más o menos matices y diferentes intensidades de potencia y velocidad. "Inside the Fire" el primer single, continúa con esa misma dinámica, donde la voz limpia pero poderosa de David Draiman lleva la batuta, siempre muy bien secundado por los potentes y afilados riffs de Dan Donegan que en esta placa además se despacho unos muy buenos e inspirados solos de guitarra, de hecho sin temor a equivocarme, este es el disco que incluye la mayor cuota de solos de guitarra en toda la discografía de la banda.

El momento más pesado del disco llega con la potentísima "Divide", un tema rápido y furioso muy bien logrado, en cambio el link con el pasado estilístico del grupo llega con "Criminal", que recuerda montones al material del debut del grupo, el excelente "The Sickness" del 2000. Otras canciones con la lenta, arrastrada y punzante "The Night" tienen bastante onda, muy pegadiza, al igual que "Enough" y todo el resto del material, del cual repito, no hay desperdicio alguno o temas descartables o aburridos. Sólo lamento que el bonus track (y que no está presente en la versión americana del disco), sea "Midlife Crisis" de los geniales Faith No More, realmente me hubiera gustado escuchar como les quedó, ya que Disturbed siempre ha conseguido plasmar muy buenas versiones en el pasado.

Un buen disco que al menos para mí, se constituyó en una grata sorpresa, pues confieso que no tenía ninguna expectativa previa, y quizás esa sea la mejor condición mental para enfrentar cualquier nuevo disco en los tiempos tan mediatizados e instantáneos que corren.

Lista de temas
1. "Indestructible" – 4:38
2. "Inside the Fire" – 3:52
3. "Deceiver" – 3:49
4. "The Night" – 4:46
5. "Perfect Insanity" – 3:57
6. "Haunted" – 4:42
7. "Enough" – 4:20
8. "The Curse" – 3:25
9. "Torn" – 4:09
10. "Criminal" – 4:16
11. "Divide" – 3:36
12. "Façade" – 3:45

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Daughtry

Chris Daughtry nunca imaginó que luego de participar en la quinta temporada de American Idol llegaría tan lejos, tanto como para formar una banda con varios seguidores de antemano, conseguir disquera y hasta recibir un American Music Award y ser nominados a un Grammy, todo esto en su primer año. Lo más notable es que ni siquiera ganó el American Idol, pero si llegó hasta las finales.

"Daughtry", disco homónimo de la banda del mismo nombre, tiene esa cosa ganchera que gusta, lo más notable a mi parecer es la voz que Chris le da a sus canciones. Que también se puede apreciar en varias colaboraciones que ha hecho con varios artistas, como "Theory of a Deadman" en su canción "By The Way" por nombrar alguno.

El disco parte con "It's not Over", primer single además, y de plano lo comparamos con bandas post-grunge como Nickelback o TOAD, pero hay que reconocer que Daughtry trae algo nuevo, ese no sé qué. "Used To" le da más énfasis al disco, es más poderosa y portentosa que la anterior.

"Home" viene a calmar un poco los ánimos, una gran power balada que de seguro se tocará en nuestras radios locales. Ganchera y bien realizada.

"Over You" es la distintiva corta venas, pero que sin embargo deja ver el poderío de la banda de la mano de Chris. "Crash" continua con esos matices de Alternative Rock. "Feels like Tonight" vuelve a bajar las revoluciones, para luego desenfrenarse. "What I Want" es el tema más poderoso del disco junto con "There And Back Again", en donde el baterista Joey Barnes y el guitarrista Josh Steely demuestran que no solo Chris está en la banda, además en esta canción (What I Want) contaron con la colaboración de 'Slash' de "Guns 'n Roses".

"Breakdown" se presenta con una sesión de cuerdas maravillosa, una de las mejores canciones del disco junto con "Home". "Gone" cambia un poco la línea de las demás canciones, y se presenta un poco más calmada hasta que interrumpe el coro, y dejan fluir de mejor manera su música. "All These Lives" es otra de las acústicas, un poco más parsimoniosa que las anteriores, pero no por eso le quitaremos crédito.

Para cerrar el disco está "What About Now", en donde Chris nos deja ver sus dotes de músico, con un inicio en piano para incorporar guitarras, batería y bajo que se mezclan de manera genial. Insisto, Chris Daughtry tiene una de las mejores voces que he escuchado en harto tiempo. Pero de todas maneras el disco no logra convencer del todo, esperemos que su próxima placa nos de algo más fresco.

Lista de temas
1. "It's Not Over" – 3:35
2. "Used To" – 3:32
3. "Home" – 4:15
4. "Over You" – 3:27
5. "Crashed" – 3:31
6. "Feels like Tonight" – 4:01
7. "What I Want" (featuring Slash) – 2:48
8. "Breakdown" - 4:01
9. "Gone" - 3:21
10. "There And Back Again" – 3:15
11. "All These Lives" – 3:24
12. "What About Now" – 4:10
13. "Home (Acoustic)" – 4:15
14. "Crash (Acoustic)" – 3:17

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Stone Temple Pilots

Pocos grupos han sido tan exitosos y a la vez tan poco respetados como lo fueron los STP en 1992 con su disco debut, "Core". Claro, un disco demasiado oportunista, con grandes éxitos como "Plus", "Creep" o "Sex type thing", pero que era demasiado plástico. Además, lamentablemente para ellos, aparecieron de la nada, por lo que parecían casi un producto pre-fabricado. Hasta el día de hoy, pocos los consideran una banda esencial o muy trascendente de la pasada década. Pero independiente de eso, independiente de todo lo repulsivo que pueda ser Scott Weiland en escena, independiente incluso de su silencioso y casi desapercibido adiós (el cual muchos tomaron como evidencia de que eran menos importantes de lo que se pensaba), habemos algunos que rescatamos gran parte de su material.

Sus últimos 2 discos fueron sólo regulares, pero el "Tiny Music" es grandioso. Sin embargo, "Purple" fue la auténtica joya que nos dejaron como banda. Y cuando digo joya, lo pongo a la altura de un "Superunknown" (Soundgarden), de un "Ten" (Pearl Jam). Suena exagerado tal vez. Hay quienes se llenan la boca hablando de la banda de los De Leo. Pero pareciera que nunca han escuchado su música, en particular este "Purple". OK, tal vez muchos de sus primeros temas fueron demasiado comerciales. Pero este disco suena totalmente distinto. Tal vez fue intencional, tan vez no. El asunto es que si nunca hubiese existido "Core", los STP igual hubiesen tenido un nombre. Y muy bien ganado.

El comienzo de "Meatplow" ya es una bocanada de aire fresco. Ya no están esas guitarras tan gancheras, y se empieza a marcar el futuro estilo de la banda, con la guitarra de Dean mucho más suave y amable, con el bajo de Robert con un asombroso poder y protagonismo, y con Weiland cantando como Weiland, no como Eddie Vedder. "Meatplow" ya no es un llamado a engancharte con la banda, sino es una invitación a seguir escuchando el disco. Los coros de Weiland ya se comienzan a hacer más distintivos, a ganar una personalidad propia. Y la elegante batería de Kretz no acelera por acelerar, por el contrario. La guitarra de "Vasoline" parece ser tocada desde el fondo del océano, y con un nuevo trabajo perfecto de Kretz le iluminan el camino a Weiland, que consigue una de sus melodías más inolvidables. Uno de los éxitos más grandes de este disco, años luz de cualquier tema de "Core". Breve, poderoso y convincente. Si pudiéramos catalogar los temas o discos de ese año como la “Generación del 94”, "Vasoline" estaba entre lo más selecto. Y eso que en ese mismo año editaron sendos discazos tanto Pearl Jam como Nirvana y Soundgarden.

Una banda muchas veces se identifica con un estilo o un tipo de canción. Pero la gracia también es que cuando intenten cosas distintas, no parezca que están haciendo un papelón. Es precisamente lo que logran en "Lounge Fly", un tema muy oscuro, con algunas cosas que incluso pueden tener algo de Pink Floyd, adelantándose incluso a algunas cosas que posteriormente haría Radiohead. Claro, tiene elementos de esas bandas, pero el tema no llega a las alturas de las mismas. El que si los llevó bien arriba fue la monumental "Interstate Love Song". Es probablemente la mejor canción de su historia. Tiene todo lo que los distinguió en sus mejores momentos: una irresistible melodía, un coro estilo Weiland, una onda media épica, y un trabajo de guitarras perfecto. Desde este disco en adelante, Dean grabaría casi todos los temas con 2 guitarras, una muy rítmica, de sonido más robusto, y otra más cruda, lo que le permitía hacer contraste notables. Ejemplos en sus discos posteriores sobran. Sólo escuchen "Sex & Violence" del "Nº 4" y van a entender de qué hablo.

"Still Remains" trae uno de los mejores momentos de Weiland en toda su carrera. Además de la melodía que logra, su voz se muestra interesante, con bastante más que ofrecer que lo que hizo para el primer disco. "Pretty Penny" es un estilo de canción que no imaginábamos que los STP fuesen capaces de hacer. Sin efectos, sin solos, sin distorsión. Y lo mejor de todo, sin convertir el tema en una insoportable balada acústica y melosa, uno de los vicios de sus últimos discos (que Weiland llevó incluso a Velvet Revolver). Es pura delicadeza. Se agradece. Así como se agradece que tanta paz sea interrumpida por un tema tan power como "Silvergun Superman". Otra vez, la fórmula STP, que no sé cómo lo hacen, pero esos coros no se los había escuchado nunca a nadie. Aquí podemos escuchar el bajo de Robert con el protagonismo tan característico en "Nº 4" y "Shangree La Dee Da" del que antes hablábamos. Es que ciertamente, este es EL disco STP. Aquí están las bases con las que trabajaron el resto de su carrera. Todo lo bueno que hicieron a partir de "Purple" ya aparece en este álbum.

Claro, hubo cosas que no volvieron a hacer en sus futuros discos. Una de esas cosas fue un tema tan increíble como "Big Empty". El aire de "banda" que tienen las estrofas, con un aire íntimo maravilloso, se contrasta por un coro brillante, épico, inigualable... Es una canción que abarca demasiados espacios y tiene demasiadas dimensiones como para dejarla pasar y no volver a escucharla. Es un tema rico en ideas, en sonidos, en colores... Brillante. Por fortuna fue incluido en el recopilatorio "Thank You" donde sólo aparecen "Vasoline", "Interstate Love Song" y "Big Empty" de este disco. Pudieron haber incluido algo más. Como por ejemplo "Unglued", una fantástica pieza de rock & roll. Otra vez, mostraron su camino futuro. Aquí están "Tumble in the Rouge", "Heaven and Hot Rods" y "Hollywood Bitch", todas en una sola canción, de 2 minutos y medio. Uno de los versos del tema dice "what makes you feel good". Bueno, si esta canción no te hace sentir bien, entonces no sé qué lo vaya a lograr. Muy simple, muy ganchera, más entretenida que cualquier otra canción del disco, y mostrando que sí se puede tener temas comerciales teniendo un estilo propio. "Unglued" rockea tanto como "Crackerman" de "Core", pero la diferencia es que estos sí son los Stone Temple Pilots.

"Army Ants" es otro temazo, que rockea con estilo, con convicción. Y con una personalidad envidiable. Aquí la banda te tira en la cara todos sus recursos. Bajo, batería y guitarras, todos están antes tus ojos haciendo un ruido infernal, y Weiland se pasea por todo el tema como el rockstar que siempre quiso ser y que pocas veces fue. Agresividad, pero no violencia. Ahí está el punto. Adrenalina, nada más. Otra joya, otra que vale la pena repetirse. "Kitchenware & Candybars" es una balada ya más típica de STP. Pero la gracia es que tampoco es tan densa y tan molesta como uno podría esperar. Y después de tremendos temazos, bueno, es bien recibida. Para disfrutar, queda la canción escondida. La que habla del "second album, 12 gracious melodies".

Los Pilots tuvieron su peak de popularidad probablemente con "Core". Pero si peak creativo fue "Purple", tal vez un salto demasiado alto en comparación con su primer disco. Y tal vez le hizo una sombra demasiado grande a sus siguientes discos, en especial el "Tiny Music", que es como la segunda parte de "Purple", y es otro gran disco. De todas formas, para quienes se preguntaban cuál era el mérito de los STP en los noventas y escucharon "Core", bueno, olvídenlo. Éste es el disco, ésta es la banda. Como decíamos, "Purple" salió el mismo año que obras maestras como "Superunknown" de Soundgarden, "Vitalogy" Pearl Jam, el "Unplugged in NY" de Nirvana. Y de todas formas logró quedar en la memoria colectiva. Por algo será.

Lista de temas
1. "Meatplow" - 3:37
2. "Vasoline" - 2:56
3. "Lounge Fly" - 5:18
4. "Interstate Love Song" - 3:14
5. "Still Remains" - 3:33
6. "Pretty Penny" - 3:42
7. "Silvergun Superman" - 5:16
8. "Big Empty" - 4:54
9. "Unglued" - 2:35
10. "Army Ants" - 3:46
11. "Kitchenware & Candybars" - 8:07

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Metallica

Para esperar a septiembre, mes de la chicha, empanadas, volantines y la supuesta salida al mercado del noveno álbum de estudio de Metallica, dejamos este mega post con la discografía de una de las bandas más importante en la industria musical.

La banda que se atrevió a llevar tan metálico nombre dio suficientes pruebas en el curso de diez años, hasta llegar a 1991, de ser los más consistentes e innovadores representantes del rock de vertiente dura de toda una generación de músicos en los Estados Unidos y, por qué no decirlo, en el mundo entero. Al final de cuentas, sin haber transado en apariencia con sus principios de fondo, hicieron que todas las instituciones de la industria de la música popular, entiéndase Grammys, Billboard o Rolling Stone, se rindieran a sus pies. Metallica, valga la redundancia, le dio al metal un buen nombre, profesionalismo y coherencia artística, y el sólo hecho de no estar en un punto de desgaste y de auto parodia luego de más de veinte años de carrera ya es un logro mayúsculo. En estos días para cualquiera tiene sentido el ver con distancia que Metallica siempre declaró ser una banda de rock duro, puro y simple, más que un fenómeno de thrash speed metal en la bitácora musical, que escribirían en la primera mitad de la década de los ochenta.

La historia de la banda se remonta a octubre de 1981, en Los Angeles, cuando el danés Lars Ulrich junto a James Hetfield aúnan esfuerzos para grabar un tema inédito para la compilación "Metal Massacre"; el tema elegido fue "Hit The Lights". En él, Hetfield se encargó de las guitarras, el bajo y aportó su voz, en tanto que Ulrich tocó la batería. Poco más tarde, Dave Mustaine y Ron MacGovney se unirían a la banda en la guitarra solista y el bajo, respectivamente. A medida que los meses pasaban Metallica fue ganando popularidad, gracias a la edición de una serie de demos que cruzaron Norteamérica de costa a costa e inclusive llegando a Europa. El más importante de esos demos fue "No Life 'till Leather", ya que, gracias a él, recibieron una oferta de Jon Zazula (empresario de la costa este), para que fueran a New York a ofrecer una serie de conciertos y a editar un álbum. Antes de ello, la banda se había mudado a San Francisco, lugar en el cual contaban con una base sólida de fans y su música era muy bien recibida. Pero la causa fundamental del viaje a la Bay Area, fue para unirse al genio del bajo, Cliff Burton, dejando de lado al bajista original, Ron McGovney.

Kill 'Em All

Ya en Nueva York, la banda estaba decidida a contratar a un nuevo guitarrista que ocupara el puesto de Mustaine, ya que este último nunca logró encajar con la personalidad del resto de la banda. Es así como deciden prescindir del ahora líder de Megadeth para contratar al co-fundador de Exodus, Kirk Hammett. Con la formación definitiva, Metallica edita a mediados del '83, su álbum debut "Kill 'Em All", el que es considerado como la piedra angular del movimiento thrash metal, ya que luego de su edición, la escena metalera mundial nunca volvería a ser la misma. "Kill 'Em All" contiene 10 cortes en donde se puede apreciar el nacimiento del Speed Metal, clásicos como "Seek And Destroy", "Whiplash", "The Four Horsemen" y el solo de bajo de "(Anesthesia) Pulling Teeth" interpretado por Burton, siguen siendo hasta el día de hoy verdaderos gritos de guerra para la movida metalera.

Lista de temas
1. "Hit the Lights" – 4:17
2. "The Four Horsemen" – 7:13
3. "Motorbreath" – 3:08
4. "Jump in the Fire" – 4:42
5. "(Anesthesia) Pulling Teeth" – 4:15
6. "Whiplash" – 4:10
7. "Phantom Lord" – 5:02
8. "No Remorse" – 6:26
9. "Seek & Destroy" – 6:55
10. "Metal Militia" – 5:10

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Ride The Lightning

"Another ten star classic". Las revistas del '84 parecieron saber de inmediato que el segundo álbum de Metallica era un clásico. ¿Con cuánta propiedad se podría hablar hoy del nacimiento de una obra maestra así tan a la rápida? Con casi ninguna. El golpe de corriente eléctrica que dio "Ride The Lightning" fue tan descomunal, gigantesco y devastador que llegó a romper todas las leyes de la física. Provocó una fisura trascendental, un quiebre más allá de cualquier explicación racional. Sus ocho cortes de auténtica rebeldía metalera doblaron el eje del tiempo, juntando el presente y el futuro por un instante en el que los individuos de ese entonces pudieron ver cómo en cinco, diez o veinte años más tarde, esta pieza furiosa del rock pesado se convertiría en lo que terminó siendo.

Lo concreto es que cuando "Kill Em All" aún dominaba los recuentos y Mustaine todavía reclamaba porque su reemplazante había sido elegido como el mejor guitarrista del ’83 tras “haber calcado todos mis solos”, Metallica golpeó con todo el estruendo de "Fight Fire With Fire", una explosión de banda sonora digna del más atroz Apocalipsis, un infierno desatado. El vendaval de furia colérica mezclado con la sensibilidad de unos leads extraordinarios, el primero de los muchos de este tipo que se escucharían en el trabajo, elevaban a otro estándar la definición de violencia. Era Fuego con Fuego, una colisión de elementos inflamables cuya onda expansiva no dejaba nada a su paso, un desatar descriteriado de agresión, una pieza incólume de metal.

Sí, habían aprendido mucho. James ya sabía cómo gritar, y Lars cómo tarrear. Esa conversación sobre cómo iría a ser un segundo y un tercer disco que tuvieron Kirk Hammett y Cliff Burton en el bus que los llevaba a California luego de grabar "Kill Em All", se transformaba en una realidad también en "Ride The Lightning", la que proponía que no era necesario tocar acelerado para destripar poder... la primera falta de acuerdo entre Metallica y sus hardcore fans. Pero mientras Hetfield bromeaba diciendo que era la canción que Troy Kunkle, el hombre que mató a su víctima citando letras de "No Remarse", tendría que escuchar en la silla eléctrica, "Ride The Lightning" se catapultaba como estandarte de todos los tiempos con su monstruosa armonía y sus golpes emulando truenos y relámpagos enceguecedores.

Hetfield, Ulrich y Burton tuvieron razón en ello, y el argumento más sólido fue "For Whom The Bell Tolls", una obra maestra inconmensurable de la genialidad descarriada de Metallica. Ese bajo distorsionado con campanas de fondo, esa incansable figura que traza la guitarra de Kirk, esa elegantísima, llena de clase, oscura y marcial sección de leads, esas letras de guerra, abandono, dolor y resignación francamente colosales... Una canción redonda, que desafía el campo de la lingüística y que debe conformarse con el adjetivo de "perfecta".

Hay varias leyendas también acerca de "Fade To Black"... Los fanáticos fundamentalistas los acusaron de venderse por firmar con un sello mainstream el ‘84, la etiqueta de "sell-out" los ha acompañado incluso desde la creación de esta pieza que en su tiempo debió haber sido una bofetada seca en la mejilla de quienes los seguían desde esas irreverentes y doctrinarias tocatas en el Whiskey a Go Go. Es que salieron con algo completamente inesperado que provocó una crisis de pánico la cual sólo el tiempo pudo apaciguar, porque hoy es más que un clásico, es un formidable ejemplo de riesgo triunfante. Era otro nuevo concepto.

A esto le sigue "Trapped Under Ice", aquí Hammett importa sin aduanas ni aranceles unos riff desde Exodus, su primera banda que recién veinte años después en "Tempo Of The Damned", ocuparía esas ideas originales para una canción, "Impaler". "Escape" se presentaba como una canción justa para un video. Curioso. Es melódica, atractiva, como calculada para captar targets masivos, pero que sin embargo se adecua perfectamente a un "Ride The Lightning" que mezcla inspiradamente el desenfreno rebelde y la clase, como se dijo, melódica. Metallica quiso demostrar que no era un producto del género, sino los generadores, que estaban un paso más adelante del Thrash.

Continua "Creeping Death" guiada por unos redobles y un bajo que dan rienda suelta a la maldición de las plagas bíblicas en Egipto. Die, by my hand, I creep across the land, killing first born man... Ese es uno de los momentos que definen a Metallica y al Thrash. Sólo los clásicos intocables pueden jactarse de aquello.

Cada episodio tiene su perspectiva y sin querer se han revisado las canciones una por una, pero, no hay que hacer esfuerzo ni invento para encontrarle una a "The Call Of Ktulu", la primera instrumental en la que participa la banda completa y la última colaboración reconocida por Metallica de Dave Mustaine. "The Call Of Ktulu" es un prodigioso reflejo musical de esta mitología, por eso a última hora descartaron el nombre original (When Hell Freezes Over)... No queda mucho más qué decir, sólo que a partir del minuto siete comienza lo que no es sólo la tremenda culminación de un instrumental épico sino el grand finale más dramático que jamás haya tenido un álbum de Thrash Metal, si es que pudiese clasificarse a un conjunto que escribía música destinada a no quedar sujeta a una era, a una tendencia o a una época.

Lista de temas
1. "Fight Fire with Fire" – 4:45
2. "Ride the Lightning" – 6:37
3. "For Whom the Bell Tolls" – 5:10
4. "Fade to Black" – 6:57
5. "Trapped Under Ice" – 4:04
6. "Escape" – 4:24
7. "Creeping Death" – 6:36
8. "The Call of Ktulu" – 8:54

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Master Of Puppets

A quince años de su edición y con mucha agua bajo el río en cuanto a cambios, Metallica todavía es recordado y alabado por "Master Of Puppets", su tercer disco de estudio y el último donde pudimos disfrutar de toda la magia en las cuatro cuerdas que derrochaba el venerado Cliff Burton.

Lo de Metallica en "Master Of Puppets" fue el punto máximo de esa explosión del speed metal de la Bay Area, la culminación de un germen que fueron propagando junto a bandas como Slayer, Anthrax y Megadeth, y que en "Kill ‘Em All" y "Ride The Lightning" ya forzaban hasta el extremo. Lo mejor de todo es que esas canciones rápidas y poderosas, que renovaron la forma de enfrentar el metal en el mundo, se convirtieron en la piedra angular de todas las nuevas tendencias extremas. Gracias a ese desarrollo estilístico, hoy tenemos la posibilidad de enfrentarnos a variadas fórmulas en el mercado del rock, un mercado que no deja de proliferar nuevas ideas, pero siempre conservando la actitud y la preocupación por la técnica que Metallica logró desarrollar.

Pero entremos en materia musical, explorando cada uno de los 8 cortes que conforman esta poderosa experiencia sonora. La partida con "Battery" ya es espectacular. –Lashing out the action, returning the reaction… tremendo. Las guitarras de Hammet y Hetfield construyendo unas murallas pesadísimas, la batería de Ulrich rompiendo todos los esquemas y la voz de Hetfield mucho más depurada que en los discos anteriores. Desde aquí ya se nota evolución, colores distintos, texturas más densas y preparadas, una fórmula que movilizaba cada parte sensible de tu cuerpo y te energizaba a más de mil voltios.

"Master Of Puppets", la segunda canción, ya te deja estúpido y te hace preguntarte de dónde sale tanto poder... y lo mejor, poder melódico. –Where's the dreams than I've been after... Master, Master-. Aquí Metallica se sacó los zapatos porque aparte del peso y la técnica, la parte central del tema, la parte instrumental, es demasiado notable, mostrando a un Cliff Burton inspiradísimo que innova con su bajo distorsionado.

Después de eso quieres más, porque ya comienzas a asumir que serás un adicto por el resto de tu vida útil. "The Thing That Should Not Be" es la baja de revoluciones, más oscura y densa que la anteriores pero con una atmósfera cargada de simbolismos y pasión. El puente perfecto para la esperada canción lenta de la banda, un terreno que empezaron a experimentar con "Fade To Black" en el disco anterior, y que ahora, con "Welcome Home (Sanitarium)" llevaron hasta el extremo de la perfección. Un punto demasiado notable para dejar pasar, y un tema que han debido recordar durante el resto de su carrera.

"Disposable Heroes" y "Leper Messiah" son las típicas canciones sub-valoradas del disco, tal vez porque no son tan recordables como las otras, o representaban menos para el concepto del disco, pero de igual forma tienen el sello pesado y melódico que a esta altura Metallica ya tenía bien ganado. De estas dos prefiero "Messiah" por ser más directa, agresiva y con ese gustito a "garage" que todavía se hecha de menos en la banda.

Después de 40 minutos ya está todo listo para "Orion", uno de los instrumentales más valorados y alabados de la banda, donde de verdad te llevan por pasajes y emociones extrañas. Aquí puedes sentir desde depresión hasta adrenalina, todo recreado en un paseo exquisito y bien logrado que destaca todos los instrumentos en su conjunto y por sí solos. Ocho minutos donde te hacen volar y recrear sentimientos con notas musicales, la verdadera esencia del arte.

Por último, "Damage Inc." es el golpe vitamínico que baja las cortinas del disco. Potente, aterradoramente rápida y con una energía que ilumina todos sus espacios, es la muestra perfecta de la rabia juvenil y el peso que Metallica había acumulado desde 1981, Agotadora.

"Master Of Puppets", casi 60 minutos de maestría metalera. Un clásico que rompió esquemas y que elevó el speed metal a un nivel insospechado, heredándole a las siguientes generaciones una actitud de inconformismo sónico y de búsqueda personal que cerró un ciclo extraordinario. Sólo queda el recuerdo para Cliff Burton, un bajista excepcional que en este disco despuntaba para leyenda... ahora lo es.

Lista de temas
1. "Battery" – 5:13
2. "Master of Puppets" – 8:36
3. "The Thing That Should Not Be" – 6:37
4. "Welcome Home (Sanitarium)" – 6:28
5. "Disposable Heroes" – 8:17
6. "Leper Messiah" – 5:41
7. "Orion [Instrumental]" – 8:28
8. "Damage, Inc." – 5:30

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...And Justice For All

Tras la muerte de Cliff Burton el 27 de Septiembre de 1986 en Suecia durante la gira de "Master Of Puppets", Metallica se da a la tarea de buscar un nuevo integrante para el grupo, luego de varias audiciones el seleccionado es Jason Newsted, un joven bajista de Michigan y fundador de Flotsam And Jetsam.

El disco abre con "Blackened", que según muchos representa el ojo morado con que terminó Kirk Hammett luego del accidente fatídico en 1986. Pero la verdad es que la canción refleja perfectamente el descontento de la humanidad contra la "humanidad" y como estamos destruyendo nuestro planeta. Un "Wake The Fuck Up" que lanza el grupo para sus seguidores. Luego viene el tema que le da el nombre al disco "...And Justice For All", un grito hacia el capitalismo y hacia la destrucción de la justicia -"Halls of justice painted green, money talking"- lo que nos dice que no existe la justicia si no tenemos el dinero suficiente para comprarla.

"Eye of the Beholder" es uno de esos temas subestimados, pero que sin ellos no existiría ese balance que todo disco necesita, es un excelente tema que irrumpe con simpleza pero que se desarrolla a lo largo de 6:30 minutos.

Uno de los clásicos más conocidos de la banda junto con "Nothing Else Matters", "Master Of Puppets" y "Fade to Black" es "One", cuarto tema de este disco que no hace falta comentar, es simplemente una "obra maestra", comienza de manera lenta pero dinámica y que nos lleva de vuelta al Trash Metal del Metallica de antaño.

"The Shortest Straw", "Harvester of Sorrow" y "The Frayed Ends of Sanity" podrían pasar por alto la primera vez que escuchamos el disco, pero luego de reescucharlos nos damos cuenta de que son temas potenticimos, de gran calidad instrumental y vocal por parte de Hetfield.

"To Live Is To Die", el ultimo tema instrumental compuesto por la banda y especialmente por Cliff Burton, este tema sirve de homenaje para el gran bajista que les enseñó a los demás integrantes como compomer música de calidad y con corazón. Casi diez minutos de guitarras, bajo y baterias se unen de forma perfecta y cuando va por los 7 minutos Hetfield interviene con: "When a man lies he murders, Some part of the world, These are the pale deaths which, Men miscall their lives, All this I cannot bear, To witness any longer, Cannot the kingdom of salvation, Take me home?". Sin lugar a dudas uno de los mejores temas del disco junto con "One".

"Dyers Eve" cierra el disco, y como en el anterior, es uno de los temas más rápidos que presenta la banda con una letra directa y punzante.

Lista de temas
1. "Blackened" – 6:41
2. "...And Justice for All" – 9:47
3. "Eye of the Beholder" – 6:30
4. "One" – 7:26
5. "The Shortest Straw" – 6:36
6. "Harvester of Sorrow" – 5:46
7. "The Frayed Ends of Sanity" – 7:44
8. "To Live Is to Die" – 9:49
9. "Dyers Eve" – 5:13

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The Black Album

A mediados de 1990, tras terminar la gira de "...And Justice For All" y un breve tiempo de vacaciones, los entonces cuatro maníacos de San Francisco se encerraron por meses con el reputado productor de bandas hard rock como Mötley Crüe y Bon Jovi, Bob Rock. Él los convenció de trabajar juntos, prometiéndoles a James Hetfield y Lars Ulrich el disco de Metallica más aplastante y cercano a su sonido en vivo que pudieran concebir. Pero también los chicos suponían que había que evolucionar el estilo, y decidieron irse por un camino más directo, sencillo y "ganchero" que el desafío casi de thrash-progresivo que significó "Justice". En primer lugar, no sería tan necesario meter acelerador a full como se hizo en el pasado.

Pero muy importante –y es aquí donde entra el factor Sabbath- era mantenerse igualmente poderosos y pesados. Para eso, se hizo un trabajo de joyería en el estudio, usando los amplificadores predilectos de los muchachos, experimentando con modelos de guitarra más tradicionales y ajenos al mundo del metal radicalizado (Telecasters, Gibson doble mástil, guitarras de cuerpo grueso ideales para blues o jazz) y dando con el sonido de batería más demoledor que hubiesen logrado hasta la fecha.

"Enter Sandman" da la partida con un arpegio sencillo y limpio que en cierta forma continúa la tradición de las intros de "Fight Fire With Fire", "Battery" y "Blackened". Pero desde que entra la batería junto al bajo y luego llega el relámpago de la guitarra se advierte que la dirección es más rockera y simple: el riff es tan ganchero que para muchos fue el "Smoke On The Water" de los '90, mientras que el desarrollo del tema es sólido, potente y oscuro en momentos –la parte posterior al solo de guitarra-, pero sin perder el groove ni cambiar tanto los tiempos. Efectivamente se trata de un clásico instantáneo, quizás el gran responsable del enorme suceso comercial que fue este álbum en su momento.

La forma de seguir a "Sandman" llega en "Sad But Trae", un medio tiempo aplastante y pesadísimo, pero también muy oreja, donde la afinación más baja teje un puente con "The Thing That Should Not Be" y prefigura en cierta forma lo que una banda como Pantera haría en los cortes más lentos y pesados de "Vulgar Display Of Power". Los solos de guitarra de Kirk Hammett son más melódicos y con feeling más clásico –el segundo es casi un solo de blues- , en desmedro de la ametralladora furiosa de notas que fue su psicótica marca de la casa en los '80.

La tercera pista es "Holier Than Thou", un tema donde Metallica busca la sonoridad más veloz de sus discos anteriores y la matiza con la dirección más ganchera del momento, acompañando a una letra que invita gentilmente a los críticos de sus pasos para irse al demonio. En "The Unforgiven" la banda se juega una carta épica en el que quizás es uno de los mejores cortes del disco. Utilizando una estructura de acordes robada al clásico "Fade To Black" para la melodía central. El solo de Hammett es ENORME, así como también lo es la inteligencia para plantear un sonido más melódico sin renunciar al peso, y también lo es el trabajo vocal de Hetfield, que se atreve a mostrar un registro más suave, inédito hasta entonces y casi irreconocible, pero logradísimo.

"Wherever I May Roam", el corte siguiente, también debe figurar sin dudas entre lo más alto que se logró para este álbum. Con una introducción orientaloide en sitar, que luego se usa tal cual bajo la forma de un pesadísimo riff, es el himno de los cuatro horsemen a la carretera y al espíritu nómade y viajero. Un tema redondo, emotivo y maduro, donde la protagonista absoluta –al menos desde que irrumpe con toda su fuerza- es la guitarra de Kirk Hammett, una vez más. Por Dios qué buenos solos se sacó este tipo para este disco.

Para la pista 6, sin embargo, quedó el espacio para la controversia. Escuchar "Don’t Tread On Me" –algo así como una versión gringa de nuestro "Por la Razón o la Fuerza"- puede ser una experiencia para nada grata contextualizando la situación política internacional de hoy. Redneck a más no poder, alegoriza en su letra el espíritu patriótico yanqui desde el comienzo, cuando la guitarra toca esa melodía de "America" del musical "West Side store". Como detallito trivial, la serpiente enroscada que ilustra la negra portada de este disco está sacada de la bandera que Christopher Gadsden propuso en 1775 para simbolizar el espíritu libertario de los nacientes Estados Unidos de América. ¿El lema? "Don’t Tread On Me".

Se da vuelta el cassette, se cambia de disco en la tornamesa, o derechamente se deja correr el CD, para toparse con la fiereza de "Through The Never", el corte más thrashero que nos trae este trabajo. Riffs vertiginosos, un solo que es pura demencia, batería machacante y efectiva, y un bajo que golpea desde el subsuelo, además de una oscurísima sección post solo, ayudan a tejer un nexo inmediato con el Metallica más maníaco de los '80.

A esa incursión en la profundidad del abismo metalero, sigue la balada "Nothing Else Matters" el tema que les hace hervir la sangre a todos quienes acusaron a la banda de "vendidos", "traidores" y "enemigos". Llegó a transformarse en clásico del rock, en parte por ese sencillo arpegio inicial que todo quien haya aprendido a tocar guitarra desde 1992 intentó reproducir, pero lo cierto es que éste es uno de los cortes más controversiales en la historia de Metallica. Por lo rudo que fue, para quienes los siguieron desde los comienzos, encontrarse con un tema a su juicio "tan mamón". Observación a la que las ornamentadas orquestaciones de Michael Kamen terminan de dar fuerza. Pero a los nuevos adeptos que llegaron con el éxito de este disco, poco les importó lo sutil de esta balada, y siguieron adelante, adentrándose en el universo Metallica.

Quizás muchos de esos fans fundamentalistas apretaron stop para no escuchar más en "Nothing Else Matters". El punto es que quienes lo hicieron, se perdieron el retorno al poder inconmensurable en la excelente y subvalorada "Of Wolf And Man", un corte redondo de principio a fin: ganchero, vacilón, pero también pesadísimo y potente, lleno de detalles sutiles que no se advierten a primera escucha –ésos tienen que descubrirlos ustedes-. "The God That Failed" pasa algo más desapercibida, pero es también un muy buen tema, con un groove de medio tiempo intenso y –siempre- pesado.

Es poco lo que se habla de Jason Newsted. Al ex frontman de Flotsam and Jetsam, que llegó para calzarse los zapatos del legendario e irremplazable fallecido Cliff Burton, sus compañeros siempre lo relegaron a un segundo plano y nunca lo dejaron contribuir a la composición como quizás él hubiese deseado. No obstante, la todopoderosa dupla Hetfield-Ulrich le dejó aportar un sencillo y sugerente solo de bajo, que sirvió como intro al que a mi juicio es otro de los puntos más altos del disco, "My Friend Of Misery". Este tema vale una pasada por su excelente desarrollo instrumental, la sólida interpretación vocal de Hetfield, la implacable batería y sobre todo –ya estoy siendo majadero- por su solo de guitarra: primero, sobre la misma idea inicial del bajo, Hammett juega con el pedal del volumen de un modo muy elegante; luego, tras un breve interludio melódico, entra con todo poder y utilizando un armonizador para realzar la melodía de sus frases. Y para terminar, un desmadre a todo wah que te deja peinado para atrás. Y ojo que esa es la primera parte, porque después de una repetición del coro, el guitarrista vuelve a atacar con todo, hasta que Ulrich pone el freno y el tema se acaba a los seis minutos 47 segundos, pudiendo perfectamente aguantar uno o dos minutos más. Y el suspiro final queda para una "The Struggle Within" que se va casi tan rápido como rápido es el tema.

Lista de temas:
1. "Enter Sandman" – 5:34
2. "Sad but True"– 5:23
3. "Holier Than Thou" – 3:48
4. "The Unforgiven" – 6:27
5. "Wherever I May Roam" – 6:46
6. "Don't Tread on Me" – 4:01
7. "Through the Never" – 4:03
8. "Nothing Else Matters" – 6:29
9. "Of Wolf and Man" – 4:17
10. "The God That Failed" – 5:05
11. "My Friend of Misery" – 6:50
12. "The Struggle Within" – 3:54

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Load

Muchos pueden criticar, y vaya que lo han hecho, el periodo musical de Metallica entre 1990 y el presente, que se vendieron, que cambiaron de manera radical, que ya no eran lo que representaban, pero hay que dejar en claro que Metallica, como toda banda evolucionó. Tal vez esto no gustó a la mayoría de los seguidores de los de la Bay Area, pero lo que Metallica hizo con Metallica fue lo que les pareció mejor, la banda nunca quiso encasillarse en un "estilo", ellos siempre alegaron que tocaban lo que les gustaba, lo que les apasionaba y lo que se sentía bien. Aunque, por otro lado, hay que reconocer que desde la inclusión de Bob Rock Metallica comenzó ese proceso de evolución acelerado, porque si habían evolucionado anteriormente, basta con ver algunas de las diferencias entre "Kill 'Em All" y "Ride The Lightning", con la inclusión de una power balada. O entre "Master Of Puppets" y "...And Justice For All", Metallica ha ido evolucionando a paso lento, pero seguro.

Sin embargo, con la edición de este disco si que tuvieron que enfrentar el descontento y la furia de sus seguidores, porque es con este álbum que Metallica pasa al olvido para muchos y se convierte en icono para otros.

Pero comentemos lo que este disco contiene, y no nos limitemos con comentarios mediocres u opiniones de terceros, hay que escuchar el disco completo para hacerse con una opinión personal señores. Luego de las giras "Wherever We May Roam" y "Nowhere Else To Roam", que llevó a Metallica por todo el globo, la banda entra a estudio a finales de 1995 para editar su sexto álbum. Lo que en un principio pretendía ser un disco doble, finalizó con la reducción de 22 temas a 14 y así nació "Load". Disco que representaba un nuevo nacimiento, tanto musical como visual para los integrantes: cortes de pelo y un nuevo look presentaron junto con el lanzamiento de este disco.

El disco abre con "Ain't My Bitch", y de plano logramos apreciar el nuevo sonido que decidieron darle a la banda, un 'Hard Rock' con matices de 'Blue' en los solos de Kirk Hammett, una baja en las revoluciones en la batería de Ulrich y con un cierto cambio en la voz de Hetfield en comparación con el disco anterior. El siguiente track es "2x4", un poco menos pesado y más dinámico que el primero, pero que ciertamente no logra satisfacer o encantar aún. En "The House Jack Built" se logra captar todo el estilo blucero que entrega Hammett al disco, con nuevas técnicas en los solos utilizando un pedal y "la manguera" para darle nuevos matices.

A esto le sigue "Until It Sleeps", uno de los mejores temas, a mi parecer, del disco y uno de los más tristes; este tema en particular tiene dos interpretaciones, según una entrevista realizada a Hetfield tiempo después del lanzamiento del disco, James dijo que este tema en particular era muy personal y que reflejaba la relación que sostuvo con su madre mientras esta estaba con vida y el momento en que ella murió -"Where do I take this pain of mine? I run but it stays right by my side"- lo que la hace aún más notable y creíble. La otra dice relación con la crucifixión de Jesús como se muestra en el video.

"King Nothing" es la que le sigue a "Until It Sleeps", y aquí nuevamente podemos apreciar una composición de Newsted (una de las pocas en el tiempo que estuvo con Metallica), que parte con un bajo limpio y simple para darle el pase a la guitarra de Hetfield y a la batería de Ulrich. "Hero of The Day" y "Bleeding Me" vendrían siendo como las power baladas que presenta Metallica en cada uno de sus discos. Ambos temas son de entre los 14, los mejores catalogados de todo el disco.

"Cure", "Poor Twisted Me" y "Wasting My Hate" siguen la línea Load, más de lo mismo podrían decir por ahí, pero con cierto grado de razón. Aquí, con "Mama Said" se presenta el mayor cambio de ritmo del disco, una sección de cuerdas (acústicas) predominan en casi todo el tema, un ritmo parsimonioso y una suavidad en la voz de Hetfield describen el tema a cabalidad.

A esto se le suma "Thorn Within", "Ronnie" y "The Outlaw Torn", siendo está ultima que la que más llama la atención de las tres finales del disco.

Lista de temas
1. "Ain't My Bitch" – 5:04
2. "2 × 4" – 5:28
3. "The House Jack Built" – 6:39
4. "Until It Sleeps" – 4:30
5. "King Nothing" – 5:27
6. "Hero of the Day" – 4:22
7. "Bleeding Me" – 8:18
8. "Cure" – 4:54
9. "Poor Twisted Me" – 4:00
10. "Wasting My Hate" – 3:57
11. "Mama Said" – 5:19
12. "Thorn Within" – 5:51
13. "Ronnie" – 5:17
14. "The Outlaw Torn" – 9:49

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Reload

Un año después de "Load" Metallica lanza "Reload", disco que sigue la línea del trabajo anterior, de hecho gran parte de las canciones incluidas en este trabajo fueron algunas de las que se desecharon previamente para "Load", con algunas excepciones. Sin embargo, a nivel musical, no presenta un cambio significativo en comparación con el anterior.

El disco parte con "Fuel", uno de los mejores y más potentes temas de todo el disco, que representa el gusto por la velocidad y los automóviles de Hetfield. El segundo tema del disco es "The Memory Remains", que habla de todos las "estrellas" que se niegan a morir y ver la triste realidad que los rodea, lo más notable de este tema es la participación de Marianne Faithfull en el coro "lalalalalala...". A esto le sigue "Devil's Dance" en donde, si bien no es una composición de Newsted, si podemos apreciar con toda notoriedad el bajo de este.

"The Unforgiven II" se presenta como el cuarto tema del disco, y es una continuación (líricamente hablando) de la primera. Pero que presenta nuevos matices y guitarras más estridente en vez de arpegios.

"Better Than You", "Slither", "Carpe Diem Baby" y "Bad Seed" presentan una misma línea musical, que podrían haberse trabajado un poco más. "Where The Wild Things Are" es una composición de la mano de Jason Newsted aunque solo como co-compositor y tampoco es un tema muy elaborado ni versátil.

A esto hay que sumar "Prince Charming", "Low Man's Lyric" (tema más lento y acústico), "Attitude" y "Fixxxer", siendo la ultima la más notoria a nivel musical, creando más ambiente y nuevos sonidos experimentales por parte de Metallica.

Si bien ni "Load" ni "Reload" representan discos iconos en la historia de Metallica, bien vale la pena escucharlos, ya sea para hacerse una impresión propia del cambio que acogieron en esa época o por el simple hecho de escuchar algo compuesto por Metallica.

Lista de temas
1. "Fuel" – 4:31
2. "The Memory Remains" – 4:39
3. "Devil's Dance" – 5:19
4. "The Unforgiven II" – 6:37
5. "Better Than You" – 5:21
6. "Slither" – 5:13
7. "Carpe Diem Baby" – 6:12
8. "Bad Seed" – 4:05
9. "Where the Wild Things Are" – 6:54
10. "Prince Charming" – 6:05
11. "Low Man's Lyric" – 7:37
12. "Attitude" – 5:16
13. "Fixxxer" – 8:15

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